arthur marques dança e corpo

O OLHAR DA TRANSFORMAÇÃO CONTRA A DANÇA DO PERECER

2011-08-24T00:45:00.000-03:00

O corpo, produtor de movimento, é um bólido que se move circunscrito em espaço e tempo, desenha formas em fluxos incontáveis. De acordo com Izabel Stuart (in PEREIRA; SOTER, 1998, pag. 191), é da qualidade do movimento perecer: a memória humana não supre as necessidades do registro das combinações possíveis de ações de movimento do corpo que dança. A natureza efêmera da obra coreográfica é uma dificuldade para os historiadores da dança que

[...] se realiza no movimento. Isto significa que ela desaparece no momento em que é vista. Impossível resgatar o tempo da dança e recuperar um movimento já executado. Mesmo a repetição de seqüências previamente elaboradas nunca são uma reprodução fiel, mas antes uma reapresentação (STUART in PEREIRA; SOTER, 1998, pag. 191).

Demanda energia e esforços para registrar as informações produzidas pela dança e essa arte que segue o ritmo acelerado do confuso tempo contemporâneo – padrão relativo e elástico, dadas as variadas percepções – confere à tecnologia a responsabilidade do encontro com ela para ampliar as possibilidades de retenção dos dados que a célula nervosa não registra imediatamente: o movimento tem tempo mais rápido que a memória.

A repetição é uma estratégia usada para memorização do impulso motor, mas ela proporciona ao corpo a descoberta de novas possibilidades de movimento a cada experimentação ou tentativa de retenção do que foi executado. Nessa busca de memorização, novas formas surgem com novas texturas, durações, fluxos... Nesse sentido, esbarra-se com a proposição de Stuart (1998): o movimento perece, pois sempre será repetido com outra qualidade ou com variações, mesmo que ínfimas, do que Rudolf Laban (1978) chamou de “fatores de movimento”.

No trabalho de Pina Bausch, “a repetição do mesmo movimento traz mais e mais distorções, provocando múltiplas e imprevisíveis interpretações e experiências” (FERNANDES, 2000, pag. 126). Repetir é estratégia de reorganizar, manipular a informação.

A dança é a arte do perecer? O movimento de dança perece, sepultado nos olhos do espectador ou na lente da câmera? Assim parece, pela experiência do repetir porque

[...] o desejo de “reconstituição” jamais alcança seu objetivo. [...] O que nos leva a crer que tampouco exista uma dança, mas várias (STUART in PEREIRA; SOTER, 1998, pag. 192).

Tomando como base esse pensamento, responde-se ao questionamento anterior: a dança não é uma arte que celebra a morte do movimento. É a arte da (re)invenção. Cada novo instante é um novo contexto para o corpo que dança, sujeito a variações de fatores internos e externos.

Assim sendo, remontagens de obras de dança são sempre novas obras. O objeto produtor do movimento é outro: o corpo. A sapatilha de dança da bailarina que dança o papel principal de um balé de repertório, em 2011, não é a mesma sapatilha do século passado. A tecnologia que mudou a forma da sapatilha de ponta, alterou o corpo da bailarina, corpo este que também não é o mesmo, dadas as relações de troca entre natureza e cultura: biologicamente, este corpo foi alterado pela cultura, e vice-versa.

Por outro lado – e, de outro lado - pela perspectiva do observador ou espectador, outros fatores tecnológicos foram também alterados, alterando também a percepção do corpo que dança: a iluminação cênica, a textura e costura dos tecidos que veste a bailarina, até mesmo o shampoo que ela usa ou a sua maquiagem são outros. Alguns fatores agem alterando tanto no observador do corpo que dança quanto no corpo observado.

A mudança é inevitável na dança, regida pela relação espaço X tempo: por mais que se tente reproduzir uma obra, sempre haverá mudanças. Cada apresentação de dança é uma estréia. Se o movimento perece, assim como o corpo, estamos falando de uma arte que se reinventa, não se reproduz igualmente. O corpo muda, o tempo muda, as condições mudam e a tecnologia muda, constantemente.

Novos jogos de dados, produzidos por corpos que se reconfiguram. Como na dança da vida de Shiva, o deus da dança que equilibra o universo: a metáfora da destruição e do renascimento parece uma analogia para as mudanças que sofrem os sistemas que trocam informações, onde um sistema está sempre se reestruturando, reorganizando suas informações internas a partir do contato com novas informações e estas, por sua vez, são alteradas por outras informações e outros sistemas com que entra em contato, num modo contínuo.

Há de se conectar com o pensamento científico para observar e contemplar a dança. De um tempo relativo, sujeito a diferentes olhares de visões de mundo variáveis, a dança trabalha com um tempo fugaz: novas configurações dessa arte, conectadas com a idéia de que o segundo seguinte sepulta o anterior, estão mais preocupadas com os processos de composição que com a obra terminada.

Há de se entender a dança através de um novo ser e estar: a perspectiva da mudança a todo instante, em toda parte. Se o movimento não se repete nunca da mesma forma, é de se pensar que a dança faz parte de um mundo em eterna (trans)mutação. Essa idéia se conecta com os estudos de grandes cientistas de nosso tempo, como a teoria quântica, dentre eles Stephen Hawking (2002).

O movimento produzido pelo corpo é sempre novo e por mais que se busque repetir uma ação, ela é – a nível quântico – uma informação já transformada no corpo que a produziu que também já é outro no instante seguinte. Deve-se pensar que o corpo não envelhece, mas se reconfigura, num constante processo desde a concepção.

Dança é movimento no tempo e espaço, parâmetros que implicam em instabilidade e desconforto para os corpos que desejam estar em segurança. A inquietude do viver é advento de uma nova percepção do mundo e da dança: rearranjos e o balançar do corpo na linha do tempo.

Renegociações: é necessário (re)ver o mundo atual e a dança com o olhar da mudança, ao invés de se valorizar nas intercorrências da morte. Martha Graham (1993) fala que as mortes do bailarino são duas: a primeira sendo aquela quando o corpo, em vida, não pode mais executar as ações que deseja. Essa visão parece ser saudosista do corpo de outrora, assim como o lamento dessa mudança inevitável:

Eu não tinha este rosto de hoje/ Assim calmo, assim triste, assim magro/ Nem estes olhos tão vazios/ Nem o lábio amargo./ Eu não tinha estas mãos sem força/ Assim fracas e frias e mortas/ Eu não tinha este coração/ Que nem se mostra./ Eu não dei por esta mudança/ Tão simples, tão certa, tão fácil:/ - Em que espelho ficou perdida/ A minha face?[1]

Graham lamenta a perda de possibilidades de movimento pela idade avançada: a coreógrafa não abriu o olhar para perceber que algumas experiências poderiam ser limitadas, mas, outras, poderiam ser descobertas. Seu sistema técnico-estético privilegiava movimentos amplos e virtuosos, o que uma senhora de setenta e seis anos – idade que tinha quando resolver parar de dançar – fazia com muita dificuldade. A poesia “Retrato”, de Cecília Meireles, poderia ter sido expressa por Graham.

Entretanto, a coreógrafa não se recusou a ensinar o repertório que criou para outros corpos. Lamentavelmente, ela parou de descobrir algo novo para si mesma. Talvez essa pudesse ter sido mais uma grandiosa contribuição à arte da dança, como muitas que ela deu. Faltou à grande coreógrafa a perspectiva, o olhar da transformação e da reinvenção; ao invés disso, sobrou o lamento do perecer.

O que muda, não morre. Sistemicamente falando, o sistema que não troca informações está fadado ao fim. Permanecer implica em alterar, em troca de dados, o que confere aos sistemas novas configurações. Diferente do movimento, qualquer dança pode permanecer, reinventada em corpos que também se reinventam.

É preciso ter o olho da mudança. A transitoriedade da vida, tão presente na obra de Meireles, precisa ser entendida, não lamentada e aceita de forma pacífica e resignada. Que se veja a dança como celebração de vida, como arte do eterno movimento, de renascer constantemente. Que os segundos sejam sempre aniversários. Que a visão seja de concepção a partir da experiência aleatória, imprevisível, como se comportam as partículas quânticas, sem posição e velocidades definidas...

Ouço muitas vezes a expressão “dança da vida”. É um dito que me toca profundamente, pois o instrumento pelo qual a dança fala é o mesmo pelo qual a dança é vivida – o corpo humano (GRAHAM, 1993, pag. 11).

Graham, com esse testemunho simples e direto, resume tudo. Dançar a vida, celebrando a mudança: novo olhar, nova ordem contemporânea, não reduzida ao perecer.

Referências:

FERNANDES, Ciane. Pina Bausch e o Wuppertal dança-teatro: repetição e transformação. São Paulo: Editora Hucitec, 2000.
GRAHAM, Martha. Memória do sangue. São Paulo: Editora Siciliano, 1993.
HAWKING, Stephen. O universo numa casca de noz. 5ª ed. São Paulo: Editora Arx, 2002.
LABAN, Rudolf. Domínio do movimento. 4ª ed. São Paulo: Summus Editorial, 1978.
STUART, Izabel. A experiência do Judson Dance Theater. In: PEREIRA, Roberto; SOTER, Silvia (Orgs). Lições de Dança 1. Rio de Janeiro: UniverCidade Editora, 1998. p. 191-204.

[1] “Retrato”. Cecília Meireles. Extraído de <http://educaterra.terra.com.br/literatura/poesiamoderna/2003/06/30/002.htm>. Acesso em: 22 ago. 2011.

ARTHUR MARQUES DE ALMEIDA NETO. 23/11/2011.

ACERVO DE VÍDEOS DE DANÇA CONTEMPORÂNEA PARA DOWNLOAD LIVRE

2011-03-25T12:39:00.000-03:00

CONTEMPORARY VIDEO DANCE DATABASE
Link:
http://contemporarydance-db.blogspot.com/

UM VIOLINISTA NO TELHADO

2011-03-25T12:30:00.000-03:00

Vem aí… em Maio no Teatro Oi Casa Grande… (Rio de Janeiro - RJ)

‘Um Violinista no Telhado’

Baseado em histórias de Sholem Aleichem, sob permissão especial de Arnold Perl
Texto: Joseph Stein
Letras: Sheldon Harnick
Música: Jerry Bock
Produzido no New York Stage por Harold Prince
Produção original do New York Stage dirigida e coreografada por Jerome Robbins

Um espetáculo de
Charles Möeller & Claudio Botelho

Realização:

Aventura Entretenimento e Conteúdo Teatral
Veja o nosso teaser em: http://www.moellerbotelho.com.br/arquivos/16644

NOVA PUBLICAÇÃO EM DANÇA RECEBE ARTIGOS

2011-03-25T12:22:00.000-03:00

A Faculdade Angel Vianna está organizando uma nova publicação em dança. A Revista Corpografia terá como objetivo “sustentar, apoiar e fazer circular o pensamento da dança e do corpo que contemplem as linguagens de teatro, multimídia, circo, dança clássica, danças populares e hip-hop”. A ideia é articular essas diferentes linguagens em torno de um resultado único.
A revista será dividida em seis temas, sempre ligados à dupla ‘Corpo + Dança’. Serão eles: Teatro, Multimídia, Circo, Clássico, Hip Hop e Danças populares. O projeto foi contemplado pelo edital Cultura e Pensamento, do MinC.
A organização da revista está recebendo artigos – que se encaixem em um dos temas acima, claro – para publicação. Os textos serão submetidos à análise do conselho editorial. Os artigos devem ser enviados para o email juliana@escolaangelvianna.com.br com os seguintes dados: nome do autor, email, telefone, breve currículo (três linhas), título, corpo do texto (6 a 10 laudas) e bibliografia.
Cada tema terá um prazo de envio correspondente. Os textos referentes a Teatro devem ser enviados até esta sexta-feira (25/03). Os outros prazos estão disponíveis aqui, assim como todas mais informações sobre a publicação.

Pilates para professores de dança e bailarinos (Fortaleza - CE)

2011-03-25T12:19:00.000-03:00

A Escola Pública de Dança da Vila das Artes promove, de 4 a 8 de abril, curso de Pilates voltado para professores de dança e bailarinos. O curso será ministrado pela professora Márcia Santiago e, explorando exercícios de Pilates Mat (solo), terá como foco o papel da força muscular para ativar o controle de centro (abdominais e assoalho pélvico) na produção de habilidades motoras eficientes e organização corporal aplicada no desempenho do movimento dançado. A programação faz parte do mês da dança, comemorado dia 29 de abril.

As inscrições são gratuitas e devem ser feitas na secretaria da Vila das Artes, equipamento da Prefeitura de Fortaleza, de 9h às 18h, de 24 de março a 1 de abril. A Vila fica na Rua 24 de Maio, 1221, Centro. Informações pelo 3105-1402.

Márcia Santiago é pós-graduada em Dança/coreografia e graduada em Licenciatura em Dança Contemporânea na Universidade Federal da Bahia e professora de Dança concursada pela Secretaria de Educação do Estado da Bahia. É docente na Escola de Dança da FUNCEB no Curso de Educação Profissional Nível Médio em Arte/Dança ministrando a disciplina de Cinesiologia Aplicada à Dança.Participou como membro e representante do Núcleo Salvador da daCi dance and Child internacional/ UNESCO. È certificada pela Physio Pilates®/Polestar Education em Pós reabilitação e Fitness. Membro da Equipe Multidisciplinar do Ambulatório de Dor do Hospital das Clínicas UFBA. É diretora e professora do estúdio Physio Pilates em Vilas e educadora credenciada pela Physio Pilates/Polestar, para ministrar curso de formação em Pilates no Brasil e na América do Sul.

Serviço:

Inscrições gratuitas para curso de Pilates na Vila das Artes, das 9h às 18h, de 24 de março a 1 de abril. Aulas de 4 a 8 de abril, das 14h às 16h. Rua 24 de Maio, 1221, Centro. Informações: 31051402.

Abril, no Casarão Peleja (Olinda - PE)

2011-03-25T12:17:00.000-03:00

>> Curso Livre de Teatro Físico

com LINEU GABRIEL

O curso abordará aspectos do treinamento pré-expressivo para o ator-dançarino, através de treinamento técnico e energético, jogos, dinâmicas com bastões e objetos, consciência corporal, improvisação e elementos de manifestações tradicionais,com o objetivo de culminar em uma montagem experimental a ser apresentada no Casarão Peleja.O curso será coordenado por Lineu Gabriel, com a participação de professores convidados.

As inscrições estão abertas até dia 03/04/11. As vagas são limitadas!

Lineu Gabriel é ator-dançarino e pesquisador, Mestre em Artes pela UNICAMP. É co-fundador do Grupo Peleja. Fez cursos de aperfeiçoamento com Ésio Magalhães, Ricardo Puccetti, Raquel Scotti Hirson, Adelvane Néia, Léris Colombaioni, Tiche Vianna, entre outros. É professor da Faculdade Angel Vianna, ministrando a disciplina de Improvisação na Pós-Graduação Dança - práticas e pensamentos do corpo, em Recife-PE.

Início: 06 de abril de 2011
Horário: Quartas - 14h às18h
Local: Casarão Peleja
Duração do curso : 9 meses
mensalidade: R$100,00

>> Corpo e Movimento - técnica de dança contemporânea
com TAINÁ BARRETO

As aulas têm como objetivo auxiliar na conscientização do movimento, construir um corpo organizado, inteligente e disponível para diferentes técnicas de dança. Em nossos encontros trabalharemos princípios de dança moderna e contemporânea, com exercícios e sequências que visam aprimorar a coordenação motora, flexibilidade, saltos, giros, controle do tônus muscular, fluxos de respiração e energia. As aulas são indicadas para pessoas com alguma experiência em atividades corporais, não necessariamente dança.

Horário: Terças e quintas - 8h30 às10h
Local: Casarão Peleja
mensalidade: R$120,00
Vagas abertas para novos alunos!
Aula experimental gratuita!

casaraopeleja.blogspot.com
casarao@grupopeleja.com
(81) 34939858
85387700
O Casarão Peleja fica na rua Eustáquio de Carvalho, 29, Carmo - Olinda (próx. ao Sítio Histórico, em frente ao Fortin do Queijo).

1a. CONFERÊNCIA EM GESTÃO PARA ESCOLAS DE DANÇA

2011-03-06T18:30:00.000-03:00

UM FÓRUM PARA QUEM GERENCIA A DANÇA

Acontecerá em Salvador/BA no auditório do SEBRAE, nos dias 30 e 31 de maio próximo, a 1a. Conferência de Gestão para Escolas de Dança, um evento imperdível e especialmente concebido para diretores, proprietários, gerentes e funcionários de escolas de dança, bem como para professoras e professores interessados em ampliar seus horizontes profissionais.

O que pretende essa Conferência?

Uma coisa é ser médico, outra é ser professor de Medicina, outra ainda é ser diretor de uma escola de Medicina. Para ser médico, basta que seja ensinado à pessoa o conteúdo da profissão; para ser professor de Medicina, além da premissa anterior ou profissão congênere, é preciso que a pessoa adquira sólidos conhecimentos de pedagogia, ou o profissional vai ter que ter o dom nato do ensino, o qual, como se sabe, é um dom relativamente raro. Para ser diretor ou proprietário de uma escola de medicina, o profissional não precisa necessariamente ser médico. Se fosse, eventualmente poderia executar seu trabalho com mais desenvoltura, mas os conhecimentos necessários para exercer a função de Diretor passam muito mais por administração, finanças, sociologia, legislação, pedagogia e outros quesitos importantes.

E nas escolas de dança, isso seria diferente?

De modo algum! Há uma distância enorme entre a bailarina e uma professora de dança, como há uma substancial diferença entre a professora de dança e a diretora de uma escola de dança. Todavi a, em nosso país, sempre houve uma grande confusão entre essas atividades e na maioria das escolas de dança quem ensina é apenas uma bailarina talentosa (às vezes nem tanto), que lá na frente acha que já está preparada para ensinar o que lhe foi ensinado. Com esforço, dedicação e boa vontade, vai dar aulas, repetindo tudo aquilo que um dia aprendeu, como se isso já fosse o suficiente. Claro, existem (felizmente de forma crescente) as bailarinas que buscam o aprendizado pedagógico e educacional em cursos e estágios especializados e essas, certamente, vão formar seus alunos com propriedade e conteúdo sólido. Mas, o degrau seguinte, o nebuloso cargo de direção de uma escola de dança, continua sendo uma incógnita e essa interface sempre careceu de maiores esclarecimentos especializados para que se defina mais claramente. Dirigir uma escola de dança nunca foi tarefa fácil e muitas escolas naufragaram ao longo do percurso simplesmente porque sua direção não estava preparada para conduzir corretamente o empreendimento.

Essa 1ª. Conferência sobre Gestão para Escolas de Dança objetiva reunir em um mesmo fórum de exposições e debates, uma plêiade de profissionais especialistas de renome em suas respectivas áreas de atuação que apresentará diversos temas e abordagens sobre o assunto central do evento: a gerência de escolas de dança. Serão abordados aspectos como marketing, finanças, gerenciamento de professores, a visão do cliente, gestão de resultados, captação e fidelização de clientes. A Conferência foi concebida para que o diretor de uma escola de dança possa adquirir informações tais que lhe permitirão executar uma administração mais moderna, mais contemporânea, mais promissora e mais voltada para resultados a partir do dia seguinte ao evento.
Palestrantes confirmados:

Marketing (captação e fidelização de clientes) – Osvaldo Matos (Pernambuco)
MBA em vendas e Trade Marketing, é Professor de Graduação, MBA e Pós-Graduação da Unifacs, Jorge Amado, FTE/Área I e Ruy Barbosa. Graduado em Administração, em Marketing tornou-se executivo de empresas multinacionais e nacionais como Shell Petróleo, Philips, Microlite, Grupo Bunge, Grupo Bompreço.

Gerenciando Professores – Maria Lúcia Vasconcelos (São Paulo)Presi dente do Conselho Municipal de Ensino da Cidade de São Paulo, Membro do Conselho Estadual de Ensino do Estado de SP, Professora de Pós Graduação da Universidade Mackenzie, ex Reitora da Universidade Mackenzie, foi Secretária de Educação do Estado de São Paulo.

Gerenciando a escola - Pavel Kazarian e/ou Sylvana Albuquerque (Rússia/ Santa Catarina)Diretor da Escola de Ballet do Teatro Bolshoi do Brasil

Coordenadora de audições seletivas, eventos e toda produção da Escola de Ballet do Teatro Bolshoi do Brasil.

A visão do cliente - Bete Wagner (Bahia)
Mãe de bailarina, é formada em Economia pela UFBA (Universidade Federal da Bahia), é mestre e doutora em Ciência Política pelo IUPERJ (Instituto Universitário de Pesquisas do Rio de Janeiro), tendo sido Vice-prefeita e Secretária de Educação de Salvador e Diretora Geral do Instituto do Meio Ambiente da Bahia.

Aguardem ainda mais informações sobre:

Profissional Empreendedor – Colocando em prática suas idéias para obter sucesso
Oportunidade imperdível e são apenas dois dias de duração!
Maiores informações e dúvidas acompanhe no BLOG: ballacenews.blogspot.com

Escola do Teatro Bolshoi no Brasil
So Dança

Como se inscrever:

Encaminhar para o email anna.goncalves@uol.com.br seus dados:
Nome completo, empresa x cargo, cidade x estado, email, fone
Comprovante de depósito em favor de Anna Cristina Gonçalves:
Banco itaú – agência 4297
Conta poupança – 09771 -1 / 500
Investimento:
Inscrições até 31/3 – R$ 360,00
Inscrições até 30/4 – R$ 390,00
Inscrições até 10 de maio – R$ 420,00

Apoio:

Revista Dança Brasil
www.dancabrasil.com.br

CURSO TÉCNICO BAILARINO CONTEMPORÂNEO 2011

2011-03-06T18:23:00.001-03:00

2º ENCONTRO NACIONAL DE PESQUISADORES EM DANÇA DA ASSOCIAÇÃO NACIONAL DE PESQUISADORES EM DANÇA (ANDA)

2011-03-06T18:16:00.000-03:00

Colegas pesquisadores,
A Associação Nacional de Pesquisadores de Dança (ANDA) tem o prazer de convidá-los para o 2º Encontro Nacional de Pesquisadores a realizar-se em Porto Alegre, na Escola de Educação Física da Universidade Federal do Rio Grande do Sul nos próximos dias 21 e 22 de maio de 2011.
Por favor ajude-nos a divulgar o evento enviando para seus contatos.

Diretoria ANDA
Apoio: UFRGS

ASSOCIAÇÃO NACIONAL DE PESQUISADORES EM DANÇA:
WWW.DANCA.UFBA.BR/ANDA/INDEX.HTML

"Two (Rise and Fall)", com Sylvie Guillem

2011-02-09T21:15:00.000-02:00

"Two (Rise and Fall)"
Com Sylvie Guillem
(Primeira-bailarina da Ópera de Paris).

Lone Loosing Lost, por Danielle Noordermeer

2011-02-09T20:59:00.000-02:00

"Lone Loosing Lost"
Vídeodança por Danielle Noordermeer.

"Achterland", de Anne Teresa de Keersmaeker

2011-02-09T20:30:00.000-02:00

"Achterland", de Anne Teresa de Keersmaeker.
Rosas Dance Company (Bélgica).

LAGO DOS CISNES, de Mats Ek

2011-01-05T01:18:00.000-02:00

Produção de "Lago dos Cisnes", do coreógrafo sueco Mats Ek, com o Culberg Ballet.
Esta é a primeira parte do vídeo, disponível no website youtube.com, em 11 partes.

I CONGRESSO BRASILEIRO DE DANÇA MODERNA

2011-01-05T00:57:00.000-02:00

Uma oportunidade única para os bailarinos e professores de estarem em contato com professores referência das três mais importantes técnicas da Dança Moderna mundial - e base para a Dança Contemporânea - Técnicas de Martha Graham, de Lester Horton e de José Limón.
Professores altamente qualificados que lecionam nas mais importantes instituições em Nova York - Martha Graham School of Contemporary Dance, Alvin Ailey American Dance Center e Limón Institute.

Para saber mais acesse o site:

http://www.congressodancamoderna.com.br/

17o. JANEIRO DE GRANDES ESPETÁCULOS - RECIFE (PE)

2011-01-05T00:51:00.000-02:00

Já estão abertas as inscrições para as OFICINAS do

17º Janeiro de Grandes Espetáculos
no Recife (PE).

Informações e inscrições no SATED/PE (Sindicato dos Artistas e Técnicos em Espetáculos de Diversão do Estado de Pernambuco – Casa da Cultura, Raio Oeste, 2º andar. Tel. 3424 3133).

Iniciação à Interpretação (José Pimentel)

De 17 a 21 e de 24 a 28 de janeiro l segunda a sexta l 14 às 17h l Teatro Apolo (1ª semana) e Teatro Arraial (2ª semana) l 30 vagas l R$ 30,00

O objetivo é transmitir noções fundamentais para o exercício da interpretação teatral nos vários espaços cênicos e em outros veículos, como cinema e televisão. Serão utilizados métodos de vários autores/encenadores e teóricos do Teatro, como Brecht, Stanilavski, Grotowski, Artaud, Peter Brooks, Dario Fo, Eugenio Barba, Michael Checkov, Yoshi Oida e Eric Bentley, entre outros.

Textos Teatrais e Representações: a Construção da Teatralidade (Eberto García Abreu/Cuba)

De 17 a 21 de janeiro l segunda a sexta l 09 às 12h l Centro Cultural Correios (Av. Marquês de Olinda, 262 – Recife Antigo) l 20 vagas l R$ 30,00

A proposta é analisar diversas noções de teatralidade como síntese das relações entre texto e cena, além de abordar o caráter sistêmico do texto, do espetáculo e da teatralidade em sua interação permanente, mostrando ainda diversas noções do texto teatral, reconhecendo o amplo espectro de seus funcionamentos históricos, e confrontando diversos modelos textuais e cênicos em sua expressão contemporânea.

Trançados Musculares – Saúde Corporal e Ensino do Frevo (Valéria Vicente e Kiram/Giordani Gorki)

De 17 a 21 de janeiro l segunda a sexta l 18 às 22h ou de 24 a 28 de janeiro l segunda a sexta l 14 às 18h l Torre Malakoff (Bairro do Recife) l 20 vagas por cada período l Gratuita

A partir da pesquisa técnica a respeito das características da dança frevo no que diz respeito às exigências osteomusculares dos dançarinos, a oficina tem por objetivo propor exercícios baseados no próprio frevo que sirvam de alongamento e preparação corporal de forma complementar aos métodos de ensino já existentes, prevenindo possíveis lesões.

Além de Stanislavski (Cláudio Medeiros/EUA)

Dias 21 e 24 de janeiro l sexta e segunda l 9h30 às 12h30 e das 14 às 17h l E dia 25 de janeiro l terça l 10 às 13h l Sala de Dança do Teatro de Santa Isabel l 20 vagas l R$ 30,00

Centrado na metodologia de Konstantin Stanislavski e na técnica Viewpoints, a oficina tem como objetivo aprofundar e diversificar a caixa de ferramentas no treinamento de atores dentro do realismo psicológico, na liberação do poder imaginativo do corpo e na criação de um ambiente de trabalho onde os atores possam tomar posse de seus instrumentos com um máximo de imaginação e um mínimo de autocensura. Pré-requisito: boa forma física.

Caio Fernando Abreu e Morangos Mofados: O Teatro Sem Prazo de Validade (Luciano Alabarse/RS)

De 26 a 29 de janeiro l quarta a sábado l 10h às 13h l Teatro Arraial l 20 vagas l R$ 30,00

* É necessário participar de uma seleção no dia 22 de janeiro l sábado l a partir das 10h30 l Recife Praia Hotel (Pina). O horário do teste de cada inscrito será agendado no dia da inscrição. Cada participante deverá preparar uma cena de dois parágrafos a partir de qualquer trecho do livro Morangos Mofados, de Caio Fernando Abreu.
A proposta é valorizar a obra e a memória de Caio Fernando Abreu, um dos mais significativos autores brasileiros das últimas décadas (e amigo muito próximo de Luciano Alabarse, este, profundo conhecedor de sua obra e pensamento), trabalhando a palavra e a intersecção entre literatura e dramaturgia para a cena contemporânea. É possível, assim, preparar a semente para um espetáculo de Alabarse com atores de Pernambuco.

Circo Godot – Iniciação de Técnicas Circenses (Damiano Massaccesi/Itália)

De 24 a 28 de janeiro l segunda a sexta l 14 às 17h l Espaço Experimental (Rua Tomazina, s/n, 1º andar – Recife Antigo) l 20 vagas l R$ 30,00
A oficina propõe a “degustação” de um conjunto de habilidades das artes circenses (equilibrismo, malabares e acrobacia aérea) como modo de despertar atores e dançarinos para uma possibilidade de treinamento na preparação de um espetáculo e como ponto de diversificação e aprimoramento técnico do performer.

DANÇA EM FOCO 2011

2011-01-05T00:45:00.000-02:00

CONVOCATÓRIA

dança em foco – Festival Internacional de Vídeo & Dança está com inscrições abertas para sua Mostra Internacional de Videodança (MIV). A edição 2011 do evento será realizada no segundo semestre, no Rio de Janeiro, e seguirá por outras cidades, com sessões gratuitas e abertas ao público.
As inscrições somente serão aceitas pelo site:
www.dancaemfoco.com.br/convocatoria
Os interessados deverão enviar suas inscrições até o dia 28 de fevereiro de 2011.

CONVOCATORIA

dança em foco – Festival Internacional de Vídeo & Danza abre plazo de inscripción para su Muestra Internacional de Videodanza. La edición de 2011 se celebrará en el segundo semestre, en Rio de Janeiro y circulará por otras ciudades en sesiones gratuitas abiertas al público.
Las inscripciones solamente serán aceptadas a través del sitio:
www.dancaemfoco.com.br/convocatoria
Los interesados deberán enviar su inscripción hasta el día 28 febrero 2011.

CALL FOR WORKS

dança em foco – International Video & Dance Festival is receiving applications for its International Videodance Section. The 2011 edition will take place in August in Rio de Janeiro followed by other cities, with free public showings.
The applications will only be accepted thought the site:
www.dancaemfoco.com.br/convocatoria
If interested please send your application by 28 February 2011.

APPEL À CANDIDATURES

dança em foco - Festival International de Vidéodanse lance un appel à candidature de matériel de vidéodanse pour sa Section Internationale de Vidéodanse. L’édition 2011 du festival aura lieu à Rio de Janeiro au deuxiémè semestre, et se poursuivra dans d’autres villes, avec des sessions ouvertes et gratuites pour le public.
Les inscriptions seront à compléter directement online sur le site internet:
www.dancaemfoco.com.br/convocatoria
Les intéressés devront envoyer leurs inscriptions jusqu’au 28 février 2011.

WEIGHTLESS, por Erika Januger

2010-12-22T01:24:00.000-02:00

Um pequeno vídeodança/ arquitetura, sobre desafio da gravidade.
A short dance/architectural movie, about defying gravity.

Ficha técnica:

In bedroom: Malin Stattin.
In livingroom: Tuva Lundkvist.
Directed by: Erika Janunger.
Scenography: Erika Janunger.
Photography and light: David Grehn.
Costume: Johanna Adebäck.
Hair and Makeup: Klara Janunger,
Editing: Josefine Truedsson.
Postproduction: Gustaf Holmsten.
Music/ Lyrics and Vocals: Erika Janunger.
Percussion: Pontus Langendorf.
Keyharp: Erik Rydvall.
Saxophones: Nis Bäckvall.
Produced by Henrik Svensson.

AMELIA, por Édouard Lock

2010-12-21T02:53:00.000-02:00

CURSOS LIVRES DE FÉRIAS - FACULDADE ANGEL VIANNA

2010-12-21T02:45:00.000-02:00

AINDA NO IMPÉRIO DA VAIDADE

2010-12-16T23:33:00.001-02:00

Há onze anos, Paulo Moreira Leite discutiu as relações entre corpo e incentivo do consumo pela mídia na Revista Veja.
Acredito que ainda sejam pertinentes na atualidade algumas questões levantadas pelo autor nesse ensaio. Mesmo hoje em dia, a relação política entre corpo e mídia permanece explícita em comerciais, novelas e revistas. A mensagem é sempre mesma: um corpo saudável é um corpo magro, malhado e jovem. Será?

O Império da Vaidade
por Paulo Moreira Leite.
Revista Veja, 23 de agosto de 1995, p. 79.

"Você sabe por que a televisão, a publicidade, o cinema e os jornais defendem os músculos torneados, as vitaminas milagrosas, as modelos longilíneas e as academias de ginástica? Porque tudo isso dá dinheiro. Sabe por que ninguém fala do afeto e do respeito entre duas pessoas comuns, mesmo gordas, um pouco feias, que fazem piqueninque na praia? Porque isso não dá dinheiro para os negociantes, mas dá prazer para os participantes.
O prazer é físico, independente do físico que se tenha: namorar, tomar milk-shake, sentir o sol na pele, carregar o filho no colo, andar descalço, ficar em casa sem fazer nada. Os melhores prazeres são de graça - a gente conversa com o amigo, o cheiro do jasmim, a rua vazia de madrugada - , e a humanidade sempre gostou de conviver com eles. Comer uma feijoada com os amigos, tomar uma caipirinha no sábado também é uma grande pedida. Ter um momento de prazer é compensar muitos momentos de desprazer. Relaxar, descansar, despreocupar-se, desligar-se da competição, da áspera luta pela vida - isso é prazer.
Mas vivemos num mundo onde relaxar e desligar-se se tornou um problema. o prazer gratuito, espontâneo, está cada vez mais difícil. O que importa, o que vale, é o prazer que se compra e se exibe, o que não deixa de ser um aspecto da competição. Estamos submetidos a uma cultura atroz, que quer fazer-nos infelizes, ansiosos, neuróticos. As filhas precisam ser Xuxas, as namoradas precisam ser modelos que desfilam em Paris, os homens não podem assumir sua idade.
Não vivemos a ditadura do corpo, mas seu contrário: um massacre da indústria e do comércio. Querem que sintamos culpa quando nossa silhueta fica um pouco mais gorda, não porque querem que sejamos mais saudáveis - mas porque, se não ficarmos angustiados, não faremos mais regimes, não compraremos mais produtos dietéticos, nem produtos de beleza, nem roupas e mais roupas. Precisam da nossa impotência, da nossa insegurança, da nossa angústia. O único valor coerente que nossa cultura apresenta é o narcisismo".

Nova graduação em Dança no Brasil

2010-05-12T18:05:00.002-03:00

Texto retirado do site idança.net

A graduação em dança chegou a mais uma cidade brasileira. A intensa produção artística de Fortaleza finalmente foi coroada com a implementação, a partir de 2011, do curso de Dança na Universidade Federal do Ceará (UFC), uma conquista do Fórum de Dança do Ceará. Para que o curso comece a funcionar a pleno vapor, o Instituto de Comunicação e Artes (ICA) da universidade está com edital aberto para selecionar quatro professores. As inscrições vão até dia 25 de maio.
As vagas são para professor assistente de quatro áreas diferentes: Criação e Dramaturgia em Dança, Estudos Teórico-Filosóficos em Dança, Metodologia do Ensino e da Pesquisa em Dança e Técnicas e Práticas de Dança. Podem se candidatar brasileiros ou estrangeiros com título mínimo de mestre.
As inscrições podem ser feitas de segunda à sexta-feira, das 8h às 11h e das 14h às 17h, na secretaria do ICA (ou pelo correio, via Sedex):
Avenida da Universidade 2.853
Benfica, Fortaleza
CEP: 60020-181
O processo seletivo será composto de quatro etapas: escrita, didática, prático-oral e prova de títulos. O edital completo está disponível aqui. Mais informações: (85) 3366-7437 ou pelo email ica@ufc.br.

Graham e as duas vidas

2010-04-07T05:12:00.001-03:00

Martha Graham, coreógrafa americana tida por muitos autores como a principal pioneira da American Modern Dance, dizia que o bailarino tem duas mortes. A primeira delas seria a morte física, que, segundo ela, era quando o corpo não mais poderia executar os movimentos que desejava.
Graham teve uma vida intensa e longa. Criou quase duzentos balés para a Martha Graham Dance Company e viveu até os noventa e seis anos. Dançou nos palcos as danças que criou até os quase setenta anos. Depois disso, não conseguia dançar os movimentos que ela mesma criava, o que ela encarou como uma espécie de morte: o desejo de fazer algo e o corpo não mais "obedecer". Aprisionada em seu corpo, Graham enfrentou uma grande depressão ao ter que ensinar as danças que ela dançava para outras bailarinas dançarem.
Acredito que na vida do bailarino acontecem mortes diárias. Cada contusão, cada lesão, cada arranhão é uma perspectiva de morte. É a certeza do corpo. É a afirmação da carne e dos ossos: visão da arte inscrita numa moldura física, perecível e frágil.
"O movimento nunca mente" - era uma frase que Graham parafraseava de seu pai, o Dr. Graham. O movimento mente, sim. Por vezes, ocultamos as dores. As dores que têm causas psicológicas que afetam também o físico. E as dores de causas físicas que nos afetam psicologicamente, dando o parecer de que estas dores são parte de um único e só corpo, indivisível.
É tarefa difícil dançar concentrado em outra coisa: a dor aparece fisicamente e esteticamente para quem conhece o código corporal motor da ação do bailarino que se move. O bailarino camufla. Mas, nesse sentido, concordo com Graham: para quem dança e para quem lhe conhece e já lhe viu outras vezes dançando uma mesma peça, é fácil reconhecer o machucado.
A dor é, ao mesmo tempo, prenúncio da morte e sinal de vida pulsando no corpo.
É difícil não pensar que se está preso dentro de um corpo que anima. A primeira morte do bailarino, que Graham tanto reclamava, é real. Uma realidade que dói. Incongruência do tempo: quanto mais experiência se possui, melhores intérpretes nos tornamos. Entretanto, o músculo tem um prazo de validade. Pina Bauch, grande coreógrafa alemã, preferia os bailarinos mais maduros: ela sabia das infindáveis qualidades de movimentos que poderia explorar de pessoas que tinham uma maior experiência de vida.
Carpe diem.
A vida é uma só. Mas as mortes são diárias. E os dias passam rápido demais para que se possa fazer um funeral para cada uma delas... Deixe esse papel para as fotos: o retrato é uma sepultura - uma imagem de alguém que você já foi e não existe mais no segundo seguinte.
Mova-se. Minta ou omita as mazelas, mas prolongue a vida. A verdade está no movimento e na insatisfação das respostas e das situações. A inquietude do corpo é o fluxo da vida. Se tudo está muito quieto, calmo, certo e garantido demais, desconfie: talvez haja algum vulto com uma foice por perto.

SMALLTOWN BOY: dança e bulling

2010-03-25T04:05:00.011-03:00

O bailarino é vítima de bulling.

Quando um garoto decide iniciar os estudos em dança, é uma decisão difícil que se torna parte de sua vida.

Hoje em dia, essa decisão não é tomada mais como tão difícil quanto era há alguns anos, com filmes abordando o assunto (como o famoso "Billy Elliot", que até virou musical da Broadway) e a mídia e as novelas brasileiras tocando em assuntos que são polêmicos e que ainda são tabus para a sociedade, como o homossexualismo. Ainda assim, algumas profissões são vistas ainda como gêneros ou relacionadas à carreiras que estão intrinsicamente ligadas às opções sexuais de alguns profissionais.

Homens que exercem profisões de cabeleireiros, bailarinos, figurinistas, decoradores, designers, entre tantos outros, são quase sempre vistos como gays, de forma preconceituosa. Diga-se de passagem que são profissões que requerem sensibilidade e senso estético apurado - coisas que um homossexual assumido certamente não tem vergonha nenhuma de ter - nem qualquer pessoa deveria. Entretanto, pensar que um hétero não possua essas habilidades nem é assunto que cabe ser discutido.

O acesso à informação e ao conhecimento atualmente é algo fácil e a batalha contra preconceitos arraigados na sociedade brasileira é uma luta diária movida há anos por associações e por cidadãos engajados e com a ajuda da própria mídia.

Mesmo assim, ainda existe preconceito. E, dentro do próprio meio gay, inclusive. Um garoto dançando, no Brasil, ainda é coisa rara. Ainda hoje, na maioria das vezes, só a partir da adolescência é que o jovem do sexo masculino, com ou sem apoio da família, inicia seus estudos em dança. E com muito custo: luta contra o preconceito dentro de casa, na escola, com as amizades. Dançar é romper barreiras. É ainda um muro a ser derrubado. É, muitas vezes, ser apontado e ridicularizado. Ser vítima de bulling é uma experiência marcante para um indivíduo. Para a vida toda.

A mídia também ajuda e reforça o preconceito. Nos seus programas "humorísticos" muitas vezes, colocam o homem que dança como sendo ridículo e risível.

FOTO: extraída do website Globo.com.

Na notícia: "espectador vestido de bailarino dança no palco do hipismo olímpico: homem imita cavalgadas no local de prova em Hong Kong".

http://globoesporte.globo.com/Esportes/Pequim2008/Noticias/0,,MUL732205-16065,00.html

FOTO: extraída do website Globo.com.

Notícia do programa "Zorra Total": '" Kleber é surpreendido pela mãe em aula de balé neste sábado, 21. Personagem de Hassum leva susto com Améia (Simone Gutierrez).

http://redeglobo.globo.com/Tv_globo/Noticias/0,,MUL1385274-16162,00-ZORRA+TOTAL+KLEBER+E+SURPREENDIDO+PELA+MAE+EM+AULA+DE+BALE+NESTE+SABADO.html

Iniciei meus estudos em dança na escola de ensino médio. Tive aulas de balé clássico e jazz. Dancei no grupo de dança da escola. Nessa época, fui vítima de bulling. Mesmo assim, com minha insistência, incentivei outros colegas a dançarem e cheguei a ser professor de dança da mesma escola. Mas foi uma época difícil, em plena adolescência, de escolhas. Muito choro. Smalltown boy: decidi sair de casa, depois de juntar algum dinheiro para estudar dança no Rio de Janeiro, movido pela vontade de dançar e para fugir também da pressão.

É difícil se afastar dos familiares. É difícil alçar vôo e buscar o novo. É difícil enfrentar o mundo ter a sensação de que é imenso e ver que somos tão pequenos. É difícil enfrentar o diferente.

As lágrimas não param de brotar por muito tempo. E, quando não escorrem pelo rosto, escorrem por dentro da alma, marcando para sempre. Ficamos fortes, mas a duras penas.

E resta o lamento e o desejo de querer que as próximas gerações não precisem sofrer o que sofremos.

You leave in the morning with everything you own in a little black case

Alone in a platform the wind and the rain in a sad and lonely face

Mother will never understand why you had to leave

For the answers you seek will never be founded at home

The love that you seek will never be founded at home

Run away, turn away

Pushed around and kicked around always a lonely boy

You were the one that they’d talk about around town as they put you down

And as hard as they would try they’d hurt to make you cry

But you’d never cry to them just to your soul

No, you’d never cry to them just to your soul

Run away, turn away

Run away, turn away…

Cry boy, cry boy, cry…

“Smalltown Boy” música de Bronski Beat (James Somerville, Laurence Steinbackek, Steven Bronski)

Pós-graduação em Preparador Corporal para Artes Cênicas

2010-03-23T14:16:00.005-03:00

inscrições abertas

até dia 10 de abril

Faculdade Angel Vianna

Rio de Janeiro - RJ

INSCRIÇÕES ATÉ DIA 10 DE ABRIL

FACULDADE ANGEL VIANNA - RIO DE JANEIRO

Edital 2010 para premiação e fomento de Obra de Videodança

2010-03-23T13:51:00.000-03:00

Dança em foco – Festival Internacional de Vídeo & Dança lança dois editais, de abrangência nacional, para a criação de obras de videodança - que integrem dança e vídeo como uma composição autônoma:

Vídeo1 - O Festival premiará obras de videodança gravadas com câmeras de telefone celular, e com duração de até um minuto, até o dia 23 de abril de 2010

Vídeo5 - Através da análise de roteiros, o Festival selecionará projetos para produção de obras de videodança com cinco minutos de duração, até o dia 30 de abril de 2010

Leia os regulamentos; as inscrições somente pelo site: www.dancaemfoco.com.br

A edição 2010 do evento, que conta com o patrocínio da Petrobras, será realizada no segundo semestre, no Rio de Janeiro, e seguirá por outras cidades, com sessões gratuitas e abertas ao público.

http://www.dancaemfoco.com.br/site/projeto.html

Roseli Rodrigues

2010-03-23T13:49:00.001-03:00

Morreu na madrugada desta quinta-feira (18/03) a coreógrafa Roseli Rodrigues, diretora da Raça Cia. de Dança, de São Paulo. Ela tinha 54 anos e estava com câncer linfático.

Roseli foi uma das precursoras do jazz no Brasil e fundou a Raça Cia. de Dança há 20 anos. Lá, criou coreografias emblemáticas, sempre explorando grandes grupos de bailarinos.

"Receber esta notícia hoje foi um grande choque. Ela vinha trabalhando normalmente, sempre contribuindo muito com a dança do Brasil. Ela costumava trabalhar com elencos grandes, gostava disso. E sempre foi admirada por isso pois é complexo, é uma composição coreográfica difícil e ela o fazia como ninguém", lembra o coordenador de Dança da Funarte, Leonel Brum.

A coreógrafa foi membro do Conselho Artístico do Festival de Dança de Joinville nos anos de 2003 e 2004 e fez parte da Comissão de Artes Cênicas e Música do Conselho Municipal de Cultura da cidade de São Paulo. Em 2009, ela recebeu o 1º Prêmio Teatro de Dança de Melhor Espetáculo por Tango sob dois olhares.

"É uma perda muito grande. Apesar de viver em São Paulo, Roseli tinha projeção nacional há muitos anos. Era uma boa coreógrafa, especializada em coletivos. Além disso, tinha um dom especial porque sabia colocar as pessoas em estado de dança. Todos que passaram por ela tinham entusiasmo pela dança, pelo palco. Era apaixonante para quem faz e para quem apenas assistia", declara a consultora do Teatro de Dança, Cássia Navas.

Plataforma Internacional de Dança da Bahia / 2010

2010-03-23T13:44:00.000-03:00

A Plataforma Internacional de Dança da Bahia (PID) abre inscrições, entre 15 de março e 15 de maio, para receber os trabalhos de dança contemporânea que vão integrar a programação da 2ª edição do espaço de Encontro e Mostra Artística, que acontecerá de 06 a 12 de dezembro de 2010. Tais trabalhos submetidos podem ter suas configurações enquanto coreografia, performance, instalação e intervenção urbana.

Poderão inscrever-se artistas, coletivos e/ou companhias cuja experiência de trabalho apresente ações colaborativas. A seleção dos trabalhos estará apoiada no eixo temático da PID-2010: “Fluxos Colaborativos”. As inscrições são gratuitas. Os artistas que tiverem seus trabalhos selecionados serão contactados para assinatura do contrato e outros ajustes referentes às condições de participação.

A PID estará convocando, junto à seleção de trabalhos artísticos, propostas de realização de workshops, com temática ligada ao trabalho desenvolvido pelo artista selecionado, com carga horária mínima de 10 horas. A apresentação de propostas de workshops não é obrigatória, mas deverá vir de grupos, coletivos ou artistas que se inscrevam na convocatória de trabalhos para a mostra artística.

Solicitamos o envio dos seguintes materiais:

1 - Currículo do artista/grupo ou coletivo proponente;
2 - 01 Carta de referência ou depoimento audiovisual de pessoas, contextualizando a relevância dos trabalhos desenvolvidos pelo proponente;
3 - 01 documento que apresente algum dos processos de colaboração em que já tenha se envolvido.
Por exemplo:
Imagens ou relatos de processos criativos, ou
Registro de atividades associadas ao fazer artístico (seminário, encontro, projetos comunitários, etc.), ou
Entrevistas audiovisuais de pessoas que tenham trabalhado, ou
Um relato sobre o processo criativo do trabalho a ser apresentado feito pelo artista proponente onde faça conexões com o eixo temático, etc.
4 - 01 vídeo registro em formato DVD da obra a ser apresentada a qual deve conter duração máxima de 40 minutos.
5 - Proposta escrita sobre o projeto artístico que vai ser apresentado na PID, Ficha tecnica com duração, detalhando necessidades técnicas, equipe, sinopse e contatos.
6 -. Termo de compromisso de necessidades técnicas para a Mostra Artística da PID impresso e assinado; (clique aqui para baixar o termo).

* É importante que os materiais enviados relacionem-se com os propósitos do eixo temático da PID-2010.

Os vídeos dos trabalhos submetidos a esta convocatória serão enviados ao Acervo Mariposa para formar parte da biblioteca audiovisual desta instituição, colocando este material em um sistema de difusão e consulta brasileiro que tem ações tanto no Brasil como América Latina e outros países. Para fazer esta transferência de material a PID e o Acervo Mariposa precisam que os artistas, ao se inscreverem, imprimam, preencham e enviem junto com o resto do material solicitado o formulário Creative Commons disponivel aqui

Os materiais solicitados devem ser enviados para:

AMPLA COMUNICAÇÃO TOTAL
Rua Belo Horizonte, 64, Shopping Barra Master, sala 210, Jardim Brasil (Barra).
CEP: 40140-380
Salvador - Bahia

O resultado desta convocatória será divulgado em Agosto de 2010. O acompanhamento do processo de seleção poderá ser acessado no site da plataforma a partir de maio. Informações sobre os critérios de seleção estarão disponíveis também na web . Visitem também nosso blog na rede social Movimento.org para possíveis atualizações sobre o festival.

VI ENECULT - UFBA - 2010

2010-03-09T23:24:00.000-03:00

O calendário de submissão de trabalhos para as sessões temáticas e mesas coordenadas do VI Encontro de Estudos Multidisciplinares em Cultura (VI ENECULT), continua aberto até o dia 12 de março. Interessados devem ficar atentos para as normas para submissão disponíveis no sistema de gerenciamento do evento - o GERE -, e que podem ser acessadas clicando aqui.

Nesta edição do ENECULT, o trabalho deve estar formatado seguindo o modelo com o timbrado do evento (que pode ser baixado aqui). Depois de padronizado, o arquivo deve ser transformado em PDF (para quem não sabe executar esse processo, aqui vão algumas dicas). O resultado da avaliação será divulgado em 12 de abril e os trabalhos aceitos serão apresentados oralmente e publicados, na íntegra, nos anais do evento.

O Enecult é realizado anualmente pelo Centro de Estudos Multidisciplinares em Cultura (CULT), Programa Multidisciplinar de Pós-Graduação em Cultura e Sociedade (Pós-Cultura), Instituto de Humanidades, Artes e Ciências Professor Milton Santos (IHAC), Faculdade de Comunicação (FACOM) e pela Universidade Federal da Bahia (UFBA).

Pré-Conferências Setoriais

2010-03-09T23:16:00.002-03:00

Abertura será no domingo (7), às 19h, no Museu Nacional Honestino Guimarães, em Brasília

Mais de mil representantes de 14 setores artísticos se reúnem em Brasília, de 7 a 9 de março,
para as Pré-Conferências Setoriais de Cultura

A II Conferência Nacional de Cultura, a ser realizada entre 11 e 14 de março, traz uma novidade em seu processo preparatório. Além dos debates realizados nos municípios e estados, representantes de 19 setores artísticos e culturais irão incluir no documento final da conferência os temas de interesse de seu segmento. Cerca de 1,3 mil pessoas estarão reunidas em Brasília entre os dias 7 e 9 de março nas Pré-Conferências Setoriais para discutirem e votarem as propostas. A abertura será no domingo, às 19h, no Museu Nacional Honestino Guimarães (Esplanada dos Ministérios), com a participação do ministro da Cultura, Juca Ferreira.

Além das contribuições para a II CNC, os delegados irão também propor diretrizes para os planos setoriais de cultura, que integram o Plano Nacional de Cultura, em tramitação no Congresso Nacional. “O sucesso da Conferência Nacional depende do sucesso das pré-conferências”, afirma o ministro Juca Ferreira. A consolidação das abordagens dessa gama tão diversa de questões, de acordo com ele, garante que no momento da Conferência os pontos de vista dessas áreas já estarão estruturados para a discussão.

As atividades das Pré-Conferências começam na segunda-feira, dia 8, a partir das 9h, nas tendas armadas no gramado central da Esplanada dos Ministérios, em frente ao Museu Nacional. Veja os setores que se reunirão em Brasília:

Arte Digital
Dança
Arquitetura
Livro, leitura e literatura
Artesanato
Música
Artes Visuais
Moda
Circo
Teatro
Cultura Indígena
Patrimônio Material
Culturas Populares
Patrimônio Imaterial

Cinco outros setores - audiovisual, arquivos, culturas afro-brasileiras, design e museus - já realizaram suas pré-conferências entre 24 e 28 fevereiro.
Na opinião do coordenador das atividades, Maurício Dantas, a qualidade do que foi apresentado nessa primeira rodada mostra o amadurecimento do debate dos setores. “Com essa participação, a cultura dá passos importantes no sentido da consolidação de suas políticas”, diz.
Este momento marca também o início das relações institucionais do Ministério da Cultura com três áreas: moda, arquitetura e design. As produções dessas áreas passam, definitivamente, a ser consideradas manifestações da identidade brasileira e por isso devem ser contempladas nas ações do próprio MinC e de outras instituições que fomentam e apoiam a cultura.
Conselho Nacional - Além das propostas, os delegados das Pré-Conferências Setoriais vão eleger seus representantes para compor o Conselho Nacional de Políticas Culturais (CNPC). Reestruturado em 2005, o novo órgão colegiado da estrutura básica do Ministério da Cultura possui 46 titulares (dos governos, dos segmentos artísticos e outros representantes da sociedade civil) com direito a voz e voto, e seis convidados com direito a voz.
Sua finalidade é propor a formulação de políticas públicas, com o objetivo de promover a articulação e o debate dos diferentes níveis de governo e a sociedade civil organizada. Entre suas competências estão acompanhar e fiscalizar a execução do Plano Nacional de Cultura; estabelecer as diretrizes gerais para aplicação dos recursos do Fundo Nacional de Cultura; apoiar os acordos para a implantação do Sistema Nacional de Cultura.
Os nomes dos escolhidos para ocupar assento no CNPC devem ser anunciados também durante a realização da II Conferência Nacional de Cultura.

Serviço

Domingo, 7 de março, às 19h
No Museu Nacional Honestino Guimarães, abertura das Pré-Conferências Setoriais de Cultura com a presença do ministro da Cultura, Juca Ferreira
Segunda-feira, dia 8, às 9h,
Início das atividades nas tendas armadas no gramado central da Esplanada dos Ministérios
Credenciamento da Imprensa será realizado no local, no guichê de convidados.
Informações para a Imprensa: (61) 2024-2223, com Ismália Afonso, da Ascom SPC/MinC.

Grupo de Estudos em Dança na UFPB (João Pessoa - PB)

2010-03-09T23:12:00.002-03:00

NEPCênico (Grupo de Estudos e Pesquisas sobre o Corpo Cênico)

Você pode ver a página do Grupo no CNPq (http://dgp.cnpq.br/diretorioc/fontes/detalhegrupo.jsp?grupo=0083803BBD9792) onde estão as linhas de pesquisa.

É um grupo de pesquisa voltado para a Universidade, mas participação é livre.

Encontros nas quintas feiras das 9h às 11:30h.

Os encontros serão retomados no dia 11 de março de 2010.

Qualquer dúvida, entre em contato com

guilherme.schulze@gmail.com

Pós-graduação em Dança em Recife

2010-03-09T23:11:00.001-03:00

COMUNICADO

A Faculdade Angel Viana e a Compassos Cia. de Danças firmaram uma parceria para implantação do curso de pós-graduação em

Dança (práticas corporais e pensamentos sobre o corpo).

Fundada em 2001 por Angel Vianna, pioneira da dança contemporânea no Rio de Janeiro, a Faculdade Angel Vianna – uma referência no ensino de dança no Brasil – incentiva a pesquisa e mantém atividades de extensão para a difusão do saber e dos conhecimentos relativos na área de dança e/ou correlatas e a Compassos Cia. de Danças completa este ano, 20 anos de atuação artística em Recife e sempre primou pela formação técnica e teórica de seus bailarinos e alunos.

Desta parceria surge o curso, programado para iniciar em março de 2010, que proporcionará o contato com diversas práticas e pensamentos corporais voltados pra a dança, com professores do nordeste e professores convidados de outros estados atuantes no mercado nacional, que buscarão apresentar princípios fundamentais que possibilitam esta parceria e entendimento da dança como área de conhecimento. Ao mesmo tempo os alunos terão aulas de experimentação de várias técnicas de corpo, assim como disciplinas teóricas.

Nosso Curso se iniciará igualmente com mais de 50% de seus professores com grau de Mestre ou Doutor, conforme exige a resolução CNE/CES nº 1, de 03 de abril de 2001.

As inscrições estarão abertas a partir de 13/01/2010, maiores informações pelo blog

http://posdancaangelcompassosrecife.blogspot.com/

Angel Vianna é referência no cenário da dança contemporânea e da consciência corporal, no Rio de Janeiro. Com Klaus Vianna criou uma escola, que hoje é também Faculdade.Formou-se, simultaneamente em Música com o professor Francisco Masferrer; em Belas Artes pela Escola Guignard e em Ballet Clássico com o professor Carlos Leite.O nome de Angel está associado a anos de experiência profissional em diferentes institutos e centros de estudos do país como bailarina, coreógrafa, professora e pesquisadora em Dança. Com sua rica bagagem, Angel não se dedicou apenas ao seu "Centro de Estudos do Movimento e Artes", desenvolveu trabalhos em Universidades Públicas, Escolas, Teatros, Associações Profissionais, Centros Culturais, Áreas de Lazer, Circos, Instituições Científicas e Clínicas, onde transmite o seu processo interdisciplinar, desenvolvendo uma ação sem fronteiras.

Investe o seu tempo na produção de cidadãos livres. Esse importante trabalho vem sendo reconhecido pela sociedade e tem se revelado através de Homenagens, Condecorações e Prêmios, entre os quais destacam-se:

Comenda da Ordem ao Mérito Cultural, inspirada na Ordem do Mérito Cultural na Classe de Cavaleiro, pela Presidência da República do Brasil, por suas relevantes contribuições à cultura brasileira , Decreto de 29 de outubro de 1999. Brasília, 4 de novembro de 1999.

Diploma Orgulho Carioca, pela sua importância na vida cultural da Cidade do Rio de Janeiro, conferido pelo Prefeito do Município do Rio de Janeiro, em 4 de abril de 2000.

Prêmio Mambembe 1996 - Pelo total da Obra.

Coordenação Geral - Angel Vianna

Supervisão Pedagógica - Juliana Polo

Coordenadora Local e Pedagógica - Daniela Santos

(81) 97393611

Pós-graduação em Dança em Recife

2010-03-09T23:11:00.000-03:00

COMUNICADO

A Faculdade Angel Viana e a Compassos Cia. de Danças firmaram uma parceria para implantação do curso de pós-graduação em

Dança (práticas corporais e pensamentos sobre o corpo).

Nosso Curso se iniciará igualmente com mais de 50% de seus professores com grau de Mestre ou Doutor, conforme exige a resolução CNE/CES nº 1, de 03 de abril de 2001.

As inscrições estarão abertas a partir de 13/01/2010, maiores informações pelo blog

http://posdancaangelcompassosrecife.blogspot.com/

Diploma Orgulho Carioca, pela sua importância na vida cultural da Cidade do Rio de Janeiro, conferido pelo Prefeito do Município do Rio de Janeiro, em 4 de abril de 2000.

Prêmio Mambembe 1996 - Pelo total da Obra.

Coordenação Geral - Angel Vianna

Supervisão Pedagógica - Juliana Polo

Coordenadora Local e Pedagógica - Daniela Santos

(81) 97393611

O PPGDança da UFBA convida

2010-03-09T23:06:00.001-03:00

Para as defesas das dissertações de:

IARA CERQUEIRA L. DE ALBUQUERQUE

" ESTRATÉGIAS COREOGRÁFICAS DO PROCESSO DE MARCELO EVELIN"

Banca Examinadora: Prof.ª Dr.ª Adriana Bittencourt Machado (orientadora)

Prof.ª Dr.ª Fátima Campos Daltro de Castro ( PPGDança)

Prof.ª Dr.ª Helena Bastos (USP)

Dia: 03 de março

Hora: 10hs

Local: Teatro do Movimento - Escola de Dança da UFBA, Av. Ademar de Barros, Campus Universitário - Ondina

THEMBI ROSA LESTE

"DANÇA: MODOS DE ESTAR PRINCÍPIOS ORGANIZATIVOS EM DANÇA CONTEMPORÂNEA"

Banca Examinadora: Prof.ª Dr.ª Fabiana Dultra Britto ( Orientadora)

Prof.ª Dr.ª Cristina Magro ( Co- Orientadora)

Prof.ª Dr.ª Lenira Peral Rengel ( PPGDança)

Prof.ª Dr.ª Helena Bastos ( USP)

Dia: 03 de março

Hora: 14hs

Local: Teatro do Movimento - Escola de Dança da UFBA, Av. Ademar de Barros, Campus Universitário - Ondina

LÍRIA ARAÚJO MORAES

"EMERGÊNCIAS CÊNICAS EM DANÇA:

Conectividade entre Dançarinos no Momento Cênico Improvisado".

Banca Examinadora: Prof.ª Dr.ª Isabelle Cordeiro Nogueira ( orientadora)

Prof.ª Dr.ª Fátima Campos Daltro de Castro ( PPGDança)

Prof.ª Dr.ª Helena Bastos (USP)

Dia: 03 de março

Hora: 17hs

Local: Teatro do Movimento - Escola de Dança da UFBA, Av. Ademar de Barros, Campus Universitário - Ondina

KELLY BOMFIM DA SILVA FERNANDES

"DANÇA NO ESPAÇO ESCOLAR: Abordagem a partir dos PCN´s e da LDB"

Banca Examinadora: Prof.ª Dr.ª Jussara Sobreira Setenta ( orientadora)

Prof.ª Dr.ª Adriana Bittencourt Machado ( PPGDança)

Prof.ª Dr.ª Amélia Vitória de Souza Conrado( FACED-UFBA)

Dia: 04 de março
Hora: 14hs
Local: Teatro do Movimento - Escola de Dança da UFBA, Av. Ademar de Barros, Campus Universitário - Ondina

SANDRA CORRADINI

"DRAMARTURGIA NA DANÇA:

Uma Perspectiva Coevolutiva entre Dança e Teatro".

Banca Examinadora: Profª. Dr.ª Fabiana Dultra Britto(orientadora)

Prof.ª Dr.ª Adriana Bittencourt Machado (PPGDança)

Prof. Dr. Renato Ferracini (UNICAMP)

Dia: 05 de março

Hora: 14h00

Local: Teatro do Movimento - Escola de Dança da UFBA, Av. Ademar de Barros, Campus Universitário - Ondina

DE QUE A DANÇA CONTEMPORÂNEA É CONTEMPORÂNEA?

2009-10-30T00:57:00.001-02:00

PALESTRA COM ISABELLE LAUNAY, NA ALIANÇA FRANCESA, EM RECIFE (PE)

SÁBADO, 31/10, 17h.

É certo que vivemos hoje em dia em 2009, somos nós, no entanto, contemporâneos das mesmas coisas? Se olharmos mais de perto, apesar da circulação globalizada dos gestos em dança, nós não somos todos contemporâneos das mesmas realidades.

Nós evocaremos como, no contexto francês, o campo coreográfico organiza a sua contemporaneidade econômica, pedagógica, estética. De início, como ele se adapta, não sem dificuldades e resistências, a uma política cultural liberal (a economia dos projetos coreográficos seria contemporânea às lógicas de mercado?);

Em seguida, como ele se esforça para construir uma convergência entre lógicas de criações contemporâneas e lógicas de formações em dança (a escola de dança é contemporânea aos projetos de criação? E como ela reinventa seus clássicos?). Enfim, como a presença do dançarino em cena é testemunha dos conflitos, das relações de força, impasses e prazeres do nosso hoje em dia? Que gestos ela privilegia e que gestos ela exclui?

Estas são algumas hipóteses a partilhar, seguidas de um debate com os participantes.

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Isabelle Launay, professora doutora e co-diretora do departamento de dança da Universidade de Paris 8 Saint Denis (França). Autora dos livros "À La Recherche d’une Danse Moderne", "Entretenir: a Propos D'une Danse Contemporaine" co-escrito com Boris Charmatz e "Danse et utopie", entre diversos outros artigos publicados em revistas especializadas.
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Sábado 31/10 às 17h
Local: Aliança Francesa Rua Amaro Bezerra 466 Derby. Recife - PE.

Ação desenvolvida em parceria com o 14º Festival Internacional de Dança do Recife.

*Conferência em francês com tradução em português.
www.articulacoes.com

O CASTELO

2009-09-23T12:30:00.004-03:00

“O Castelo” é o nome do novo espetáculo da Paralelo Cia. de Dança (João Pessoa – PB). O projeto teve subvenção da FUNARTE e tem estréia no dia 2 de outubro de 2009, no Theatro Santa Roza, em João Pessoa, cumprindo temporada até o dia 18 de outubro, sempre as sextas, sábados e domingos, às 20h.
“O Castelo” é inspirado no romance homônimo do escritor tcheco de língua alemã Franz Kafka, escrito em 1926.
Tratando de um universo impessoal, envolto numa atmosfera burocrática, “O Castelo” é uma obra que cabe ser revista e repensada nos dias de hoje, dada a situação pós-moderna em que nos encontramos, com seus entraves e obstáculos administrativos e burocráticos que tanto estressam a vida cotidiana, afetando o indivíduo. No entanto, não se busca uma transposição literal da obra de Kafka para o universo da dança contemporânea.
“O Castelo”, da Paralelo Cia. de Dança, com direção artística e de pesquisa coreográfica de Arthur Marques, baseia-se nas impressões pessoais e interpretações subjetivas da leitura da obra pelas pessoas que fazem parte do elenco do espetáculo, em especial Joyce Barbosa, Lília Maranhão e Vanessa Queiroga (bailarinas) e o músico Erick Almeida, que compõe e executa a trilha original do espetáculo ao vivo.

A iluminação de “O Castelo” é assinada por Fabiano Diniz, que se inspira em formas retangulares e poucas cores, cortes abruptos e luzes indiretas – com muitos chases - para atingir um resultado funcional, fragmentado e anacrônico, ao mesmo tempo, com inspiração expressionista e minimalista para pontuar a idéia do pesadelo da burocracia que afeta o indivíduo na atualidade e que permeia toda a pesquisa coreográfica do espetáculo.
O figurino é idealizado por Arthur Marques e Joyce Barbosa, com inspiração na Renascença francesa e na formalidade dos ternos, paletós e tailleurs. O preto mesclado com transparências de rendas de tons pastéis é uma proposta que segue também uma proposta de trabalhar com uma dualidade de gênero, com elementos masculinos e femininos em uma mesma peça de figurino.
“O Castelo” tem como forte base da pesquisa a palavra “caminho”: a busca por um “castelo pessoal” (representado cenograficamente por cadeiras) - uma metáfora para simbolizar uma busca do indivíduo na pós-modernidade por um “lugar ao sol”, pela realização profissional e pessoal, dificultados pelo turbilhão da loucura da vida urbana a que somos submetidos, muito por conta de um tempo fugaz e acelerado, do estresse, das difíceis relações impessoais no trabalho e na vida.

INCÔMODOS DE VIRGINIANO

2009-09-03T21:27:00.001-03:00

Porta-retrato sem foto
Poeira no móvel
Lâmpada queimada
Banheiro sem tranca
Vaso sem flor
Chiclete na sola
Roupa amarrotada
Som de goteira
Meia rasgada
Falta de cor, de espaço e de ética.
Mesa em falso
Prego que dobra
Falar sem medida
TV ligada pra nada
Cama desfeita
Toalha molhada
Fogão sujo
Limão espremido com corte no dedo.
Calo sem band-aid
Janela sem vista
Lençol tomado
Não dormir pensando
Azulejo sujo
Unha encravada
Mal estar de ansiedade
Cabelo na pia
Avião lotado
Comentário sem noção
Criança chorando,
Acordar chorando,
Chorar sem motivo e por quem não merece.
Telefone tocando
Calça frouxa
Suar de tensão
Lembrar de quem se esquece.
Sair sem rumo
Cuspe no chão
Viver em dúvida
Curva no ônibus
Ver vômito
Esconder segredo
Perder documento
Sofrer por amor.
Engolir sapo
Chegar atrasado
Esperar resultado
Perfume ruim
Esquecer nome
Amizade não sincera
Fazer conta
Resposta não dada
Febre somática
Desligar despertador
Quadro torto
Angústia de espera.

SÓ O TEMPO MELHORA...

2009-09-03T21:09:00.004-03:00

Ferida inflamada
Queda de cabelo
Fora de moda
Relógio parado
Saudade de entes queridos distantes, ausentes.
Queijo e vinho
Inteligência e medida
Relação e confiança
Esquecimento e distância
Desprendimento, desculpa, desentendimento, desgosto, desânimo, desordem, demência...
...Distância e
Experiência.
Relíquia,
Livro,
Documento.
Foto feia
Cintura mal feita
Ronco do motor
Sombra na piscina
Idade escondida
Maré cheia.
Alcoolismo
Raiva
Lagarta
Doença, tristeza, amor, gentileza.
Estragado,
Bolor,
Mofo,
Cupim.

DANÇA CONTEMPORÂNEA NO TEATRO EDNALDO DO EGYPTO

2009-07-04T15:10:00.002-03:00

Dança Contemporânea com Arthur Marques

A partir de 16 anos.
Nível intermediário (prévio conhecimento de dança).

no Teatro Ednaldo do Egypto
Av. Maria Rosa, 284, Manaíra, João Pessoa - PB
Terças e quintas, 19h às 20h30min
Investimento: 50 reais
Início: 14 de julho (terça)

Informações:
arthur_marques@yahoo.com.br

ALGUNS NOVOS VELHOS AMIGOS

2009-06-14T01:04:00.001-03:00

Tiram-me o sono. Cansam-me. Mas, às vezes, até durmo com eles. Ou em cima deles.
Gosto de alguns, de outros, nem tanto. Mas, são importantes, mesmo assim.
Algumas vezes, me fazem espirrar. Mas, tem também aqueles que cheiram bem.
Muitos estão "online" o tempo todo. Outros são difíceis de encontrar.
Uns, são um verdadeiro enigma. Não os enxergo bem, mas me esforço. Outros são inexpressivos. Alguns, até bonitos, interessantes.
Têm os muito grossos, e os finos e com muito conteúdo.
Tem uns que andam com cada "figura"...
E os solitários: velhos... Românticos, filosóficos, políticos, cheios de ciência, cheios de novidade...
E tem os especialistas. Documentam tudo.
E, claro, tem também os equivocados. Mas, me divertem, mesmo assim.
Tem uns com tanta personalidade que são copiados. Geralmente, são aqueles que não se deixam comprar: pelo menos, facilmente.
Confesso que eles são parte da minha história. Mas, da sua também. Outros, contam muita história.
Alguns são sobre arte. Alguns de “dança”. Outros, nem tocam no assunto. E eu é que tenho que me virar pra que eles conversem. Dá trabalho. Por isso, algumas vezes, fico chateado, cansado e reclamo com eles. Mas... Não consigo viver sem eles. Aliás, acho que ninguém. Por isso cuido e trato bem.
Por causa deles, sou alguém, a cada instante, mais sábio que no instante anterior, a cada página virada.
Livros...

FÓRUM DE DANÇA DE JOÃO PESSOA

2009-06-13T23:56:00.006-03:00

Encontro do Fórum de Dança de João Pessoa e Movimento Dança Recife: aconteceu este sábado, das 9h às 18h, no auditório verde do Espaço Cultural da Paraíba.

Participação de profissionais de dança de João Pessoa e de Marília Rameh, uma das coordenadoras do Movimento Dança Recife.

O encontro objetivou a troca de expriências entre os dois núcleos de discussão em dança dos dois Estados, além do conhecimento da experiência do Movimento Dança Recife. Através da apresentação da experiência do Movimento Dança Recife, a coordenação do Fórum de Dança de João Pessoa traçou encaminhamentos para futuras ações/ projetos.

O Fórum de Dança de João Pessoa estará presente em reunião marcada com o atual presidente da FUNESC - Fundação Espaço Cultural da Paraíba, marcada para segunda-feira, 15 de junho de 2009, às 18:30, no auditório verde da FUNESC. Aproveitado a oportunidade, o Fórum de Dança de João Pessoa apresentará ao Sr. Maurício Burity como o Fórum está etruturado e quais são os atuais projetos que pretende realizar, visando o apoio da FUNESC ede outras entidades particulares e públicas como o SEBRAE, o SESI, o SESC, entre outras.

A coordenação do Fórum de Dança de João Pessoa convida todos os profissionais de dança de João Pessoa a comparecerem a essa reunião, e que tragam seus projetos para que possam ser encaminhados para a Fundação Espaço Cultural da Paraíba.

Cadastre-se no Fórum de Dança de João Pessoa para conhecer melhor esse movimento dos profissionais de dança da cidade de João Pessoa através da homepage:

http://br.groups.yahoo.com/group/forumdancajp/

DANÇA E IDENTIDADE NACIONAL: UMA IMPLICAÇÃO POLÍTICA

2009-05-28T01:17:00.002-03:00

IMPLICAÇÕES POLÍTICAS NA DANÇA: IDENTIDADE NACIONAL E A FASE “AMERICANA” DE MARTHA GRAHAM

Esp. Arthur Marques de Almeida Neto

RESUMO
Relações entre trabalhos de dança e políticas nacionalistas estão apresentadas nesse artigo. São tomados como exemplos dessa aproximação alguns trabalhos de balé da corte da Renascença francesa (séc. XVIII) do reinado de Luís XIV e da chamada “Dança Moderna Americana” das décadas de 1930 e 1940. Destacamos a produção do balé “Appalachian Spring”, de 1944, último trabalho da fase “Americana” da coreógrafa Martha Graham. Em ambos os contextos históricos, verificamos a questão da reafirmação de uma identidade nacional através da narrativa de uma nação e a arte da dança servindo com instrumento político para questões de poder de Estado.

Palavras-chaves: dança; política; identidade nacional; dança moderna americana; Martha Graham.

(Trabalho apresentado no V ENECULT, Faculdade de Comunicação da Universidade Federal da Bahia, em maio de 2009).

V ENECULT - SALVADOR (BA)

2009-05-28T00:19:00.002-03:00

Local do Evento: Reitoria e Faculdade de Comunicação da UFBA

Período: 27 a 29 de maio de 2009

Para maiores informações: cult@ufba.br +55 71 3283 6198

Mesas redondas e palestras do V Enecult serão transmitidas via web

Quem não puder comparecer ao evento terá acesso a uma das partes mais esperadas da programação.

Os pesquisadores, profissionais e demais interessados no tema da cultura que por algum motivo não puderem comparecer no Salão Nobre da Reitoria da Universidade Federal da Bahia, nas manhãs dos dias 27 a 29 de maio, poderão contar com uma opção para acompanhar os debates. Nesta edição do V Encontro de Estudos Multidisciplinares em Cultura – V Enecult, a parte mais concorrida da programação do evento será transmitida, em tempo real, no site do Centro de Estudos Multidisciplinares em Cultura, o Cult. O endereço para acesso é o <www.cult.ufba.br>. Durante os três dias de evento serão realizadas palestras, mesas-redondas e lançamento de livros. Também serão apresentados durante o V ENECULT cerca de 250 trabalhos multidisciplinares, entre apresentações individuais e mesas coordenadas, originados de dezessete estados brasileiros e de outros três países da América Latina, selecionados dentre mais de 450 propostas.

Para ver a programação das comunicações e mesas coordenadas (período da tarde), acesse o link:

<http://www.enecult.ufba.br/layout/padrao/azul/venecult/prog_final.pdf>

XI FÓRUM NACIONAL DE DANÇA - RECIFE (PE)

2009-05-28T00:16:00.002-03:00

A Associação Fórum Nacional de Dança realizou, nos dias 15, 16 e 17, na cidade de Recife/PE, o XI Fórum Nacional de Dança, encontro que teve como pauta o tema: “Plano Nacional da Dança” e a “Lei da Dança”.
O objetivo, entre outros, foi expandir a atuação do Fórum, que já conta com representação em todas as Regiões do Brasil, ampliando ainda mais estes representantes por Estado e proporcionando o desenvolvimento da discussão de assuntos pertinentes à dança.

DIRETORIA EXECUTIVA DO FÓRUM NACIONAL DE DANÇA
Angela Ferreira (RJ), Dulce Aquino(BA),
Márcia Strazzacappa (SP), Angel Vianna (RJ),
Marília Rameh (PE), Marise Siqueira (RS), Rosa Coimbra (DF)

Contatos: (81) 3224.1482 / 8704.1746

SEMANA UM - Escola de Dança da UFBA

2009-03-04T00:53:00.005-03:00

ESCOLA DE DANÇA DA UNIVERSIDADE FEDERAL DA BAHIA
PROGRAMAÇÃO DA PRIMEIRA SEMANA DE AULAS 2009

Segunda Feira, 02 de Março

8:00 às 9:30 Abertura com o D.A, a Direção e o Representante Estudantil da Pós-graduação; Chefes de Departamento; Coordenadores de Colegiados (Grad/Pós-Grad).
10:00 às 13:00 Aula inaugural (transmitida via web) de Michel Maffesoli

Terça-feira, 03 de Março

8:00 às 10:30 Oficinas
11:00 às 13:00 Apresentações: al1- Aldren Lincoln / Cookie – Núcleo Vagapara (foyer) / Entrada ao preço da razão – Isaura Tupiniquim
18:00 Cine Dança Comentado com Tiago Ribeiro (graduação) e Isabel Souza (pós-graduação) (Escola de dança)
19:00 Apresentações de trabalhos de performance, instalação,etc. (Escola de Teatro)

Quarta-feira, 04 de Março

8:00 às 10:30 Oficinas
11:00 às 13:00 Apresentação de projetos de pesquisa e extensão
16:30 às 18:30 Mesa de discussão: Movimento estudantil, integração das artes e ENEARTE (Escola de teatro)
19:00 Apresentações de trabalhos de performance, instalação,etc. (Escola de Teatro)

Quinta-feira, 05 de março

8:00 às 10:30 Oficinas
11:00 às 13:00 Novas organizações em grupo (Quitanda, Grupo GO, CoMteMpu’s, TeiaMuv e Núcleo Vagapara)
Mediadora: Isabelle Cordeiro
18:00 Ato publico: integração das artes (cortejo e confraternização na escola de musica)

Sexta-feira, 06 de Março

8:30 às 10:30 Oficinas
11:00 às 13:00 Apresentações: Estudos para Cabide – Jorge Oliveira (Núcleo Vagapara) / A outra metade do céu - Cia de Jazz Marcia Oliveira
13:00 Feijoada
17:30 Baba
19:00 Confraternização Integrada dos Estudantes de artes

Oficinas pela manhã das 8:00 às 10:30 (a partir da terça)

· Cia de Jazz Márcia Oliveira - Jazz
· Dandara Baldez – Figurino
· Tiago Enoque – Aula contemporânea de acrobacia: dança aérea em tecido (ter a quin)
· Miliane Matos – Noções básicas de iluminação e manutenção do teatro. (qua a sex)
· Jorge de Paula – Danças Populares Tradicionais do Nordeste
· Líria Morays – Experimentos, interação cênica entre dançarinos (ter e sexta)
· Arthur Marques - Oficina de Composição Coreográfica

Considerações sobre a Intimidade em dias Contemporâneos

2009-02-21T15:56:00.002-03:00

EXTRAÍDO DE (LINK)

Considerações sobre a Intimidade em dias Contemporâneos
01-Jul-2008

Escrito por Paulo Milhomens
01-Jul-2008

A afetividade humana enquanto individualidade(s) pressupõe um conjunto interdependente em suas práticas, espaços e ações. Cada ser é uma plenitude de processos, descobertas e possibilidades. Isso significa compreende-la por afectividades conjuntivas de um quebra-cabeça.
Um processo criativo. Uma partida de xadrez que pode levar anos para ser concluída.
Da mesma forma, a sexualidade humana não é uma verdade absoluta, tão-pouco adequadamente “fiel” a manuscritos, teses ou verdades científicas.
Nestes conturbados tempos “modernos” de “contemporaneidade”, achamos rentável a quebra de conceitos. Estabelecemos a diversidade como o óbvio nos interessantes discursos científicos existentes. Pergunto onde colocamos tantas necessidades de justificativas afirmativas sem buscá-las verdadeiramente?
Até onde a coerência de objetar uma dinâmica sócio-cultural pode configurar uma naturalidade do ser e estar, conforme a época? Ao passo que somos tão neuróticos, não podemos negar uma hipocrisia latente em exigir a criação de novos tipos sociais. Evidentemente, como preocupação inicial, perguntaria: quero a busca pelo afeto?
Evidenciar a dicotomia entre sexualidade e afetividade como processos, buscas humanas distintas é nossa meta. Há muitos fatores interessantes aí, tanto da ideia clássica do que vem a destacar intimidade ou o íntimo na história, no imaginário ocidental cristão.
Está associando numerosas passagens etnográficas, psicologizantes? Creio que sim.
Uma miríade de palavras foram escritas a respeito. Enfim, qualquer pessoa pode ser o que quiser desde que sua percepção esteja longe do “óbvio”. Talvez, longe de uma teoria cientificista pragmática. Ademais, a lógica do ser passa por sua tão esperada catarse: “Vivemos uma profunda metamorfose do vínculo social, caracterizada pela saturação da identidade e do individualismo epistemológico que lhe é expressão. A realidade do tribalismo está aí, ofuscante, para o bem e para o mal. Realidade incontornável, não limitada a uma área geográfica particular e que ainda não foi devidamente considerada, donde a premência de pensá-la (MAFFESOLI, 2007, p.17)”.
Pequenos encontros, grandes negócios (garotos e garotas de programa, travestis) em recortes urbanos. Reagrupamentos em outros meios sinalizam que o prazer simultâneo está, a cada dia, mais causticante.
Telejornais exibem misoginias, anti-semitismos, xenofobias e homofobias. As mentes protofascistas ainda reforçam o enclausuramento psíquico como proposta “adequada” de afastar o habitus improbum nesta neurose repetitiva que denominamos civilização ocidental.
Tradicionalismos repercutem sua intransigência em novos discursos: carismáticos descolados, neoyuppes e toda a sorte de modismos instantâneos. Relembrando Agenor Miranda, o Cazuza, em sua canção “O tempo não pára”, teremos um “museu de grandes novidades” como consequência de uma modernidade questionável à sua proposta incertiva, plural, democrática: “Os modos de vida colocados em ação pela modernidade nos livraria, de uma forma bastante inédita, de todos os tipos tradicionais de ordem social. Tanto em extensão, quanto em intensidade, as transformações envolvidas na modernidade são mais profundas do que a maioria das mudanças características dos períodos anteriores. No plano da extensão, elas serviram para estabelecer formas de interconexão social que cobrem o globo. Em termos de intensidade, elas alteraram algumas das características mais íntimas e pessoais de nossa existência cotidiana (GIDDENS, apud Hall, 2001, p.16)”.
Ou ainda, pela reflexão de Luiz Mott: “A crítica feminista e os estudos de gênero contrapuseram a repressão vitoriana do dever conjugal ao orgasmo múltiplo, o erotismo vaginal pelo clitoriano, a ausência de paixão pelo entusiasmo da amante liberada. Sexualidade e gênero se deram as mãos. Várias correntes do pensamento contemporâneo compartilham o mesmo approach do construcionismo social, enfatizando o papel ativo do sujeito guiado pela cultura, na estruturação da realidade social. Trata-se de uma perspectiva endogênica, em oposição ao empirismo e ao positivismo, que enfatizam a existência objetiva e realidade dos temas do inquérito científico numa perspectiva exogênica (MOTT, 2007, p.67)”.
Surge o confronto corpo-biológico e mente-sexualidade, nessa interessante ambivalência dos modos de vida. O fato é que não devemos alardear uma teoria do caos a respeito do ser através da cultura. Especulo que, ainda sob influência do século XX, temos uma necessidade de instrumentalizar as sexualidades, distante de uma lógica sensível, pouco ligada aos desejos recônditos.
O mundo oriental possui a Ars Erótica vista por Foucault (1993), com sua inclinação ao cultismo do elemento divinal, metafísico com deuses detentores de uma outra ordem psicológica, espiritualista sobre o corpo, em outro viés. O certo é que no ocidente a mecanização da sexualidade nos séculos XVIII e XIX – com a supressão da ditadura vitoriana que incriminou Oscar Wilde – tornou-se ardiloso reflexo para os primeiros positivistas europeus. Dessa forma, nas estruturas de poder e controle, o desejo é o crime.
Durante muitas décadas, ter pensado os diferentes desejos humanos como uma manifestação estruturalizada e distante da percepção complexa de suas experiências cotidianas e antigas foi algo marcadamente negativo.
Espacialização, urbanismo, exogamia, poligamia, endogamia, monogamia, pluralidade de sensações entre outros, não serão vistos aqui como “fenômenos” sociais. Se a academia demorou a render-se aos estudos do íntimo, teremos a cumplicidade e a coragem de sensibilizar-nos às transformações da mente através da história.
O tempo e a fala (do falo) são cúmplices dos desejos, do consumo e das curiosidades. Talvez não seja tão desconcertante assim falar da intimidade e do afeto. Pasini (1996) chega a defendê-la como algo para além do sexo. Perceberemos grandes metrópoles (ou não) que os discursos prontos acerca do corpo-biologia se afastaram da relação mente-sexualidade.
Na grande crise das identidades, vindas para tentar resolver o interminável problema das “categorias” de gênero, agora demonstram curiosa perda de vitalidade. Ainda estamos no prelo para que novas interpretações epistemológicas apareçam na simples idéia de aftividade. O desejo deve ser entendido do ponto de vista da história da intimidade. O afeto torna-se o conjunto complexo e operador de todo essas vivências sociais. “Na ciência, a pertinência das explicações sobre fenômenos estritamente delimitados se liga ao âmbito das condições definidas para a investigação e dificilmente permite a compreensão de fenômenos que estão no limite das condições definidas ou que as ultrapassam (ALMEIDA, 2004-2005, p.137)”.
Mas em toda essa delonga, onde se encontra o território dos afetos, da intimidade? Falamos há pouco da comercialização. Sim, determinados espaços de sociabilidade ainda são relegados ao risco social.
As prostitutas tornaram-se profissionais do sexo e foram inseridas nas Ciências Sociais como grande novidade. Hoje se atribui caracteres culturais reinterpretando o uso dos prazeres por essas mulheres na vida contemporânea. Em determinadas situações, essa válvula de escape sexual adquire conduta terapêutica por parte de quem as usa.
Os reflexos de um lar em contínua crise, estimula novos mecanismos de se ter intimidade nos prazeres da vida. Surgem as novas afetividades – ora guardadas ou recalcadas em nós mesmas (os) – , e a necessidade afirmativa das neo-afetividades se faz presente, como atesta Giddens (1994), na chamada crise das tradições.
Agora, com uma simbologia feminina colocada a primeiro plano, o macho em crise e as novas possibilidades surgidas no campo da experimentação erótica, afetiva, a intimidade torna-se não mais uma coadjuvante impertinente aos “notáveis” desdobramentos e descobertas da ciência, mas motivo urgente de questionarmos o modelo ocidental de vontade imposta ao longo de milênios, a manipulação de seu uso, contrastando com a plasticidade de nossa época.
Resta-nos começar a repensar os valores a qual estamos transformando e expondo no século XXI. Práticas só agora notadas e relevadas nos obrigam a projetar um novo modelo para a educação humana sobre os estudos de sexualidades, gêneros em suas devidas intimidades e afetividades.
O caminho pode ser árduo, mas necessário, no sentido de novas lutas culturais afirmativas – como por exemplo não privar os instintos humanos de suas necessidades particulares aos olhos da “conduta padrão”. Isso também significa falar e buscar a tão sonhada felicidade em nosso íntimo.

Referências

Almeida, Maria da Conceição de (2004-05), “Novos contextos das Ciências Sociais”, Cronos – Revista do Programa de Pós-Graduação em Ciências Sociais da Universidade Federal do Rio Grande do Norte (UFRN), vol. 5-6, nº1-2, Jan-Dez.
Foucault, Michel (1993), História da sexualidade. (vol.1): A vontade do saber. Rio de Janeiro: Graal.
Giddens, Anthony (1994), As transformações da intimidade. São Paulo: Editora UNESP.
_______ (1991), As consequências da modernidade. São Paulo: Editora UNESP.
Hall, Stuart (2001), A identidade cultural na pós-modernidade. Rio de Janeiro: DP&A.
Maffesoli, Michel (2007), “Homossocialidade: da identidade às identificações”, Bagoas, Estudos Gays – Gêneros e Sexualidades. Universidade Federal do Rio Grande do Norte, Centro de Ciências Humanas, Letras e Artes, vol.1, nº1, Jul-Dez.
Mott, Luiz (2007), “Antropologia, teoria da sexualidade e direitos humanos dos homoafetivos”, Bagoas, Estudos Gays – Gêneros e Sexualidades. Universidade Federal do Rio Grande do Norte, Centro de Ciências Humanas, Letras e Artes, vol.1, nº1, Jul-Dez.
Pasini, Willy (1996), Intimidade, muito além do amor e do sexo. Rio de Janeiro: Rocco.

XV JANEIRO DE GRANDES ESPETÁCULOS

2009-02-10T18:14:00.002-02:00

COMENTÁRIO: “IGUAL SEM IGUAL”
Compassos Cia. de Danças
A “Compassos Cia. de Danças” apresentou, terça-feira (27/01) às 20h30min, no Teatro Barreto Júnior, o espetáculo intitulado “Igual sem Igual”, com direção, concepção e coreografia de Ivaldo Mendonça.
A direção de Ivaldo Mendonça deixa em destaque uma profusão de elementos escolhidos para compor o que seria o fio condutor de sua criação, “uma nova discussão sobre a desordem em que se encontra emergida a nossa sociedade [...]”. Desordens múltiplas, o espetáculo obviamente não as abarca todas, o que deixa transparecer que a falha é na escolha de um foco para o projeto.
A discussão de Mendonça pretende ir além, buscando “traduzir através da dança contemporânea, as distinções e as não-semelhanças desta desorientação aparentemente interminável”. A tarefa da tradução é árdua, principalmente, para um sistema aberto como a dança contemporânea. Ainda mais quando se busca traduzir o que parece ser análogo como “as distinções e as não-semelhanças desta desorientação [...]” da sociedade. A desorientação que Mendonça expõe em cena não está enfocada e “as distinções e as não-semelhanças” (o que são a mesma coisa) complicam essa que poderia ser a direção da pesquisa coreográfica. Parece haver problema na redação do release de “Igual por Igual”: confuso e sem uma revisão.
Apesar de uma ótima trilha sonora, originalmente composta para o espetáculo por André Freitas, o projeto coreográfico de Ivaldo Mendonça não a valoriza. Muitas vezes a música não parece ambientar de forma personalizada o espetáculo, onde deixa parecer que o compositor trabalhou separadamente em seu estúdio e o coreógrafo no dele. O que não é um problema, no entanto, a direção de Mendonça destaca essa distinção de linguagens – que não parece ser a proposta.
A coreografia de Ivaldo Mendonça apresenta momentos interessantes e outros previsíveis. Está bem defendida pelo elenco que se mostrou eficiente, com destaque para o elenco feminino, composto pelas bailarinas Elis Costa, Janaína Gomes e Patrícia Costa. Gervásio Braz ainda parece tímido na exploração das qualidades de movimento propostas por Mendonça, e Raimundo Branco se mantém tímido e como um elemento de destaque – o que, pela direção de Mendonça (com assistência de Sandra Rino), não se entende a razão, deixando parecer que o bailarino foi “poupado” em cena.
Sandra Rino também assina os figurinos, que permitem bem a movimentação dos bailarinos. O design de Rino parte para uma opção casual, simples e mereciam uma pesquisa ou tratamento estético mais apurado. Ainda com relação ao figurino, pelas cores entre tons de cinza, preto e poucos brancos, há conflito com a opção cenográfica do espetáculo, onde a rotunda preta esconde ou não destaca os movimentos dos bailarinos e, por conseqüência, eles mesmos – o que também não parece ser uma proposta.
O plano de luz e execução de Eron Villar também é simples e não é inovador, mas é coerente com a proposta do espetáculo.
O espetáculo teve uma apresentação marcada por uma platéia complicada. Nela havia pessoas “de dança” e “de teatro”, o público em geral e, surpreendentemente, algumas crianças e uma maioria formada por estudantes do Pró-Jovem que, apesar de estarem lá por conta de uma iniciativa desse importante programa nacional de formação, em sua grande parte, infelizmente, pareciam não terem tido nenhuma informação dos seus instrutores sobre como se comportarem em uma sala de espetáculos.
Essa “mistura” interessante cedeu espaço a um “espetáculo” paralelo ao do palco na platéia: fenômenos sonoros à parte da trilha musical: manifestações de entusiasmo, celulares que tocavam (e eram atendidos!), comentários, conversas e até gritos; luzes de celulares; cabeças e troncos que se mexiam constantemente nas cadeiras e que, devido a pouca inclinação da platéia do teatro, exigia ajustes corporais para a observação do espetáculo. Logo, apesar de não ser interativo, o espetáculo parecia contar com coreografia no palco e na platéia (!).
Em linhas gerais, “Igual por Igual” inicia bem, apesar das interferências incontáveis da platéia, mas se perde o foco de atenção logo na segunda cena pela previsibilidade das escolhas da direção, principalmente pelas qualidades de movimento do projeto coreográfico que sempre variam nas afinidades entre o forte e rápido ou o lento e suave. Elementos como luz, figurino, cenografia e, por vezes, a música, parecem acompanhar essa direção.
O problema que de fato chama a atenção no espetáculo é a metodologia da concepção de Mendonça, que deixa escapar uma orientação, foco ou “afunilamento” no tratamento do tema por ele ser muito amplo – a desordem ou desorientação da sociedade - nas escolhas dos elementos e, principalmente, na pesquisa corporal desse tema. Há excesso nos elementos e uma preocupação maior com as formas que deixam o conteúdo em segundo plano, o que, por um tema que deveria exigir reflexão, o conteúdo deveria ser uma prioridade ou “andar junto” com a forma na pesquisa.
“Igual por Igual” promete ser diferente, mas, como em outros trabalhos de dança contemporânea, deixa a desejar no caminho entre a concepção do tema e a forma de realizar a pesquisa, o que acarreta – invariavelmente - em problemas na configuração da obra, independente da boa qualidade de alguns de seus elementos.

COMENTÁRIO: “IMAGENS NÃO EXPLODIDAS”
Cia. Etc de Dança
“Imagens não explodidas” é o título do espetáculo da Cia. Etc de Dança, apresentado às 19h do dia 28, no Teatro Apolo. Com direção e coreografia de Marcelo Sena (que também assina a trilha sonora original), o espetáculo tem o título tirado dos estudos de Sena em Música e sobre o trabalho do filósofo Giovanni Pianna.
Com uma direção bem cuidada, os elementos escolhidos por Sena para compor “Imagens...” são coerentes. Alguns conceitos da música e suas relações com o pensamento coreográfico, como “tempo, harmonia, sincronia e intensidades [...]” foram trabalhados, e Sena expõe que sua proposta é buscar “[...] pontos que possam convergir ou divergir no encontro dessas duas linguagens”. Entretanto, o que se observa, em grande parte, são apenas pontos de convergência, o que deixa o espetáculo parecer monótono.
As transições de cena são todas pontuadas por “black outs” longos, acarretando em uma certa perda na dinâmica do espetáculo e previsibilidade, deixando parecer que as cenas foram construídas como exercícios coreográficos. O que não é um problema, embora a atmosfera de estudo seja muito pontuada e levada à configuração do espetáculo.
A direção de Sena consegue contemplar a proposta de forma direta e despretensiosa. Entretanto, sem muito arrojo, o que acontece também coreograficamente e musicalmente. Nesse sentido, a coreografia de Sena trabalha com os conceitos que propõe de forma usual e sem surpresas. Talvez porque a proposta do espetáculo não seja inovadora e essa estratégia de criação já tenha sido um foco das pesquisas em dança pelos artistas do Judson Dance Theater nas décadas de 1960 e 1970, de outras formas, inclusive, mais interessantes.
Coreograficamente, a exploração de Sena poderia ter ido mais longe. Apesar de cumprir com o que se propõe a fazer, a coreografia é simples. Musicalmente, a trilha minimalista também cumpre sua tarefa, entretanto, pontua a atmosfera didática do espetáculo.
A opção do figurino – preto - reafirma a coerência do que parece ser uma escolha de um aspecto básico ao espetáculo. A luz de Luciana Raposo é eficiente, e os bailarinos – Sena e José W. Júnior - defendem bem a proposta.
“Imagens não explodidas” consegue atingir seu objetivo com simplicidade. O único ponto de ressalva é a exploração e a construção do tratamento do corpo no espetáculo, que poderia ter sido mais densa ou mesmo ter buscado uma distinção ou um caminho mais autoral.

COMENTÁRIO: “Coreológicas Recife”
Acupe Grupo de Dança
Interatividade foi a palavra que marcou a apresentação do Acupe Grupo de Dança, nesta quinta-feira, dia 29, às 19h, no Teatro Hermilo Borba Filho. Auxiliado pela estrutura do próprio teatro, o espetáculo “Coreológicas Recife” parece ter agradado o público presente, com uma forte presença de bailarinos, algumas crianças e o público em geral.
Com coreografia e direção de Isabel Marques, a idéia central do espetáculo é interagir ludicamente com a platéia, com um “[...] cunho explicitamente educativo, trabalhando de forma diferenciada os conceitos de Rudolf Laban na dança contemporânea”.
Com cenas que são divididas por uma estrutura facilmente reconhecível, Marques utiliza a trilha sonora para diferenciar uma cena da outra, onde uma música sempre se repete na transição das cenas e pontua o início da próxima. Como uma grande celebração, o público inteiro é convidado a entrar no jogo. Marques atinge seu objetivo com muito sucesso: mesmo com alguns membros da platéia com certo desejo de não participarem corporalmente da realização das propostas interativas – ou por medo, ou por inibição, ou mesmo por impossibilidade – o espetáculo não perdeu sua dinâmica.
A própria presença do corpo que assiste e ocupa o espaço delimitado pela rede, faz alusão ao corpo interage construindo o pensamento acerca do que assiste, buscando atentamente a compreensão das “coreo-lógicas” trabalhadas em cena. Entretanto, a direção parece não levar em conta a possível presença de pessoas com problemas ou deficiências físicas: o fato de todos entrarem “em cena” e terem de se sentar no chão já limita o tipo de público a que o espetáculo é dirigido, eliminando pessoas com certa obesidade, problemas de coluna, joelho, entre outros (como aconteceu comigo, que senti incômodo, a certa altura do espetáculo, por estar sentado no chão, devido ao meu problema de hérnia de disco). Por ter um “[...] cunho explicitamente educativo [...], essa é uma falha que deveria ser repensada.
Mesmo com essa que parece ser uma falha na direção, a coreografia de Marques agrada e está bem defendida pelo elenco formado pelos bailarinos Kiser, Paulo Henrique (também diretor da companhia), Roberta e Mieja. Destaque para as bailarinas Mieja, por sua neutralidade em cena e performatividade, e Roberta, por sua ótima qualidade na execução dos movimentos.
A luz, assinada por ..., contempla bem a proposta do espetáculo, assim como a cenografia de ... e a música de Marcelo Sena.
Laban deve estar feliz com a forma que Marques trabalha seus conceitos. O espetáculo é mesmo dança-educativo e os conceitos de peso, espaço, tempo, fluxo e qualidades de movimento estão lá, mesmo que não se quisesse trabalhar com elas. Essas qualidades de movimento, no entanto, deveriam ser um maior foco de atenção no estudo dos bailarinos, onde a execução, por vezes, deixa escapar um cuidado que deveria ser especial nessa que é a proposta de Marques.
“Coreológicas Recife” diverte e é “leve”. Sua preocupação com o trabalho educativo através da dança é de grande importância para os estudos em Dança e em Educação, e pode potencialmente dar origem a outras pesquisas nessas áreas.

COMENTÁRIO: "Vire ao Contrário"
Cia. Qualquer Um dos Dois
Com coreografia e direção de Jailson Lima, o espetáculo “Vire ao Contrário”, da Cia. Qualquer um dos Dois foi apresentado no Teatro Apolo, no “XV Janeiro de Grandes Espetáculos”, em Recife (PE).
“Vire ao Contrário” apresenta uma proposta ambiciosa para qualquer projeto coreográfico: “mergulhar nas relações humanas através da dança contemporânea”. E não se realiza. As relações são muitas e o enfoque dado não fica claro.
A princípio, não se observa relação entre o título do espetáculo e o que é apresentado: a não ser em um plano de análise excessivamente metafórica do título, deixando margem para muitas leituras subjetivas, inclusive, de gênero, já que o espetáculo tem um elenco exclusivo de rapazes – o que é o grande trunfo e surpresa do espetáculo, para uma companhia de dança formada no interior de Pernambuco – uma grande atitude política.
Outro ponto importante é a questão do projeto coreográfico, onde a escolha de um vocabulário técnico-estético não foi apropriada para o elenco. Bailarinos promissores, entretanto, o projeto coreográfico não os contempla: a coreografia de Jailson Lima peca pelos excessos de elementos - tanto de movimentos quanto de adereços.A luz, as transições de cenas e o figurino, apesar de não apresentarem inovação alguma, são eficientes e coerentes. A trilha sonora, em sua maior parte, composta por músicas de Moby, causa uma sensação de flutuação, onde parece ter sido forçadamente encaixada na proposta. Além disso, deixou incomodar o fato de que parecia haver um problema no equipamento ou na mídia de som utilizada, com interferências nas músicas, especialmente na segunda metade do espetáculo.O saldo da apresentação é mediano, prejudicado pelas escolhas da direção, principalmente na questão do sistema técnico-estético, que prejudica a qualidade dos bailarinos e, por conseqüência, do espetáculo.Ponto positivo e digno de destaque e aplausos: a presença de homens – e muitos – em cena. E o fato de haver uma companhia de dança inteiramente formada por eles, principalmente, no contexto ou ambiente em que está inserida. Esta é uma iniciativa poderosa, que pode vir a servir de objeto para estudos de política e de gênero na Dança, tão recorrentes na contemporaneidade. Nesse sentido, a companhia mostra de forma explícita e brilhante o que o release do espetáculo promete: “a condição do homem diante dos conflitos e das possibilidades de escolhas, tantas vezes resistindo a mudanças”.

XV JANEIRO DE GRANDES ESPETÁCULOS - RECIFE - PE

2009-01-23T14:59:00.003-02:00

Musicais, comédias, fábulas, histórias verídicas, clássicos da dramaturgia e o melhor da dança contemporânea e popular compõem a programação para agradar a todas as idades e gostos.

A maior e mais importante mostra de artes cênicas do Estado de Pernambuco comemora sua décima-quinta edição de 14 a 31 de janeiro de 2009. Em pleno período de férias, o objetivo do evento é reunir as mais significativas produções pernambucanas de teatro e dança que cumpriram temporada no ano anterior e alguns espetáculos convidados de outros Estados [incluindo duas atrações internacionais vindo da Galícia], com ingressos a preços populares [R$ 5 e R$ 10 nos teatros do Parque, Apolo, Hermilo Borba Filho, Armazém e Barreto Júnior; e R$ 15 e R$ 7,50 no Teatro de Santa Isabel], além de premiar as melhores realizações locais com o Troféu Apacepe de Teatro e Dança. Também serão promovidas oficinas de reciclagem, seminário sobre o teatro latino-americano [este em parceria com o Colaborativo Permanência], o projeto Reciclarte 4 [em parceria com o Grupo Experimental] voltado para profissionais da dança, lançamento da nova edição da Revista Folhetim [RJ], entre outras atividades extras, e uma festa de confraternização . Das produções de fora, a organização priorizou montagens de Estados que têm recebido nossas produções locais em festivais nacionais, já que um dos objetivos do evento é esse intercâmbio, com indicação dos principais curadores do país que vêm sendo convidados para cá.
Ao todo, serão 51 apresentações de 43 espetáculos no Recife e Olinda [nesta última cidade, totalmente gratuitas], incluindo dois shows musicais e uma parceria com o Sesc Santo Amaro que vai possibilitar uma série de atrações gratuitas. Este é um projeto da Apacepe [Associação dos Produtores de Artes Cênicas de Pernambuco], numa realização dos produtores Carla Valença, Paula de Renor e Paulo de Castro, com incentivo do Governo do Estado de Pernambuco, Prefeitura do Recife, Funarte, Caixa Econômica Federal e Prefeitura de Olinda, com apoio da Gráfica Santa Marta, Rede Globo Nordeste, Centro de Diversidade Cultural Teatro Armazém, Sesc/PE e Sated/PE. A homenagem deste ano será para Leda Alves, atriz e uma das fundadoras do extinto grupo Teatro Popular do Nordeste [TPN], atuante nas décadas de 1960 e 1970 sob a liderança do saudoso teatrólogo Hermilo Borba Filho.

MAIORES INFORMAÇÕES: 81 34233186/ 81 34218456

HTTP://WWW.JANEIRODEGRANDESESPETACULOS.COM

ARTIGOS INTERESSANTES

2009-01-05T14:09:00.004-02:00

DA POTÊNCIA AO ATO. DA IDÉIA PARA A AÇÃO: O CORPO EM ESTADO DE DEFINIÇÃO

Por Jussara Sobreira Setenta

"A comunicação pretende anunciar que o corpo ao dançar configura uma ação que implica em seu próprio pensamento. Através de mediações que se apresentam como organização, encontram-se crenças e hábitos de ações dispostos nas relações entre o interior e o exterior".

Para acessar o artigo na íntegra (em formato PDF), acesse o link:

http://www.pucsp.br/pos/filosofia/Pragmatismo/cognitio_estudos/cog_estudos_v2n2/cog_est_v2n2_t13_setenta_jussara_sobreira.pdf

A EDUCAÇÃO E A FÁBRICA DE CORPOS: A DANÇA NA ESCOLA

por Márcia Strazzacappa
"O movimento corporal sempre foi dentro do espaço escolar uma moeda de troca. A imobilidade física funciona como punição e a liberdade de se movimentar como prêmio. Estas atitudes evidenciam que o movimento é sinônimo de prazer e a imobilidade, de desconforto. Mas se é através do movimento que o indivíduo se manifesta, que indivíduos iremos formar se impedimos sua expressão? O presente texto abordará a questão da introdução da dança no espaço escolar, relatando e refletindo sobre o trabalho que é desenvolvido no curso de Licenciatura em Dança da Unicamp e partilhando das experiências de professores da rede de ensino que fizeram o curso de “atividades corporais artísticas para professores da educação formal” em Tupã (SP)".

Para acessar o aretigo na íntegra (em formato PDF), acesse o link:

http://www.scielo.br/pdf/ccedes/v21n53/a05v2153.pdf

O QUE É DANÇA CONTEMPORÂNEA?

2008-12-29T14:45:00.004-02:00

o QUE É DANÇA CONTEMPORÂNEA? Talvez o interessante artigo de Airton Tomazzoni, extraído do site I.Danca.net, possa nos dar algumas pistas e desvendar esse "segredo".
Acesse o artigo também no link:
<http://idanca.net/2006/04/17/esta-tal-de-danca-contemporanea/>

Esta tal de dança contemporânea
por Airton Tomazzoni · 17/04/2006
Este texto foi originalmente escrito para a revista Aplauso (nº 70)

– Tu faz dança? Que legal! Mas que tipo de dança?– Dança contemporânea.
O sujeito fica parado e depois de vencer o constrangimento:
– Mas o que é essa tal de dança contemporânea?
Daí o vivente, que faz dança contemporânea e sabe bem o que faz, se vê em apuros para dar uma resposta clara. Afinal, dança contemporânea não é uma técnica ou método que vem com rótulo. Então, ele arrisca:
– Sabe o Quasar Cia. de Dança? – que o vivente acha referência no país e crê ser bastante conhecida.
O sujeito permanece na mesma.
– E o Grupo Corpo? – ele lembra, já entrando em desespero. – E Deborah Colker? – ainda que não fosse o melhor exemplo que você quisesse dar.– Ah, já vi na televisão, responde o sujeito finalmente com um brilho no olhar de quem agora pode encerrar a conversa.
E o vivente, com a certeza de que não conseguiu explicar e que melhor que explicar era sugerir que assistisse a um espetáculo.
A realidade é esta que o suposto diálogo acima ilustra. A idéia de dança contemporânea não consolidou uma referência para a maioria do público (e mesmo para a comunidade de dança), ainda mais num Estado que vê com desconfiança aquilo que não é tradição. E isso vale muitas vezes para quem produz, ou acha que produz, dança contemporânea. Basta ver a confusão em tantos festivais competitivos. O território da dança contemporânea é um vale-tudo. Passos de jazz com música experimental. Neoclássico ao som do diálogo dos bailarinos. Dança de rua com um toque de vanguarda. E a obra, nesta lógica estapafúrdia, é avaliada por especialistas de toda ordem, menos de dança contemporânea.
Esta realidade tem como origem a rara circulação de informações e o consumo de informações descontextualizadas e superficialmente elaboradas. A qualidade dessas informações é essencial e precisa ser difundida a quem pretende preparar um treinamento, criar, julgar e apreciar a dança contemporânea. Não dá para saborear morangos e reclamar de que não têm gosto de figos. Ninguém curte uma partida de futebol sem conhecer as regras do jogo. Nesse sentido, é preciso apresentar alguns fatos, ainda que de forma sintética, para que eles possam falar desta tal de dança contemporânea.
Fato 1. A dança contemporânea não é uma escola, tipo de aula ou dança específica, mas sim um jeito de pensar a dança. Forjada por múltiplos artistas no mundo, teve nas propostas da Judson Church, em Nova York, na década de 60, sua mais clara formulação de princípios. Dentre eles, o de que cada projeto coreográfico terá de forjar seu suporte técnico. E que ter um projeto é percorrer escolhas coerentes, como o fez Trisha Brown – e também, longe dali, na Alemanha, Pina Bausch, com sua dança-teatro, nos anos 70. Tal princípio implicou tanto a preservação de aulas de balé nutridas por outras técnicas e linguagens quanto o abandono do balé e a incorporação, por exemplo, de técnicas orientais. Assim, passou a se constituir uma infinidade de alternativas, como o teatro-físico do DV-8 (companhia inglesa composta só por homens, que aborda a homofobia e que recorreu ao uso de corpos que expressam força, agressividade e sexualidade, coisa que o balé não podia fornecer).
Fato 2. Não há modelo/padrão de corpo ou movimento. Portanto, a dança não precisa assombrar por peripécias virtuosas e nem partir da premissa de que há “corpos eleitos”. Na dança contemporânea, a máxima repetida por pedagogos ortodoxos de que “não é tu que escolhes a dança, mas a dança que te escolhe” não tem sustentação. E, dessa forma, pode-se reconhecer a diversidade e estabelecer o diálogo com múltiplos estilos, linguagens e técnicas de treinamento.
Fato 3. Dança é dança. A dança contemporânea reafirma a especificidade da arte da dança. Dança não é teatro, nem cinema, literatura ou música. Apesar de poder ganhar muito com a cooperação dessas artes. A dança não precisa de mensagem, de história e mesmo de trilha sonora. O corpo em movimento estabelece sua própria dramaturgia, sua musicalidade, suas histórias, num outro tipo de vocabulário e sintaxe.
Fato 4. The Mind is a Muscle, proclamou Yvone Rainer quando a dança pós-moderna norte-americana abalava o estabilishment. Pensamento e corpo, tão separados na tradição ocidental, não são entendidos como lugares estranhos um ao outro. Até mesmo a ciência já traz evidências de que razão e emoção não são opostos. O pensamento se faz no corpo e o corpo que dança se faz pensamento. Isso não implica uma cerebralização fria, no caminho de uma dança conceitual, nem na biologização vazia da dança. Tal princípio não exime a qualidade técnica, nem o sabor e o prazer de dançar. Ele ressalta a complexidade que precisa ser compreendida.
Tais fatos precisam começar a ecoar, se o objetivo é saber o que é esta tal de dança contemporânea, que as pessoas insistem em dizer que fazem e que insiste em permanecer em cartaz em teatros, calçadas, estúdios. (Não foi à toa que Fato. se chamava o recente e provocante espetáculo da coreógrafa gaúcha Tatiana da Rosa.) Fatos que estão se estabelecendo em obras sensíveis e inteligentes, construídas dentro destes princípios na temporada 2005, em Porto Alegre, como In-compatível, de Eduardo Severino, ou Bu, da Meme – Centro Experimental do Movimento. A mesma qualidade está no trabalho de Nei Moraes, em Caxias do Sul, e Luciana Paludo, em Cruz Alta.
A partir desses fatos, pode-se muito (mas não se pode qualquer coisa). A liberdade trazida pela perspectiva da dança contemporânea não dispensa idéias fortes e a inventividade das grandes obras de qualquer forma artística, nem um domínio técnico (ainda que isso não caiba mais apenas nas esfera do aprendizado de passos corretos). A dança contemporânea evidencia que escolhas estéticas revelam posturas éticas. Numa época de tantas barbáries impostas ao corpo, é preciso recuperar esta ética quando se escolhe fazer arte com o corpo – seja o seu, seja (principalmente) o dos outros.
A dança contemporânea parece ter aceitado a provocação, com ecos de contemporaneidade, de Jean George Noverre. O mestre de dança, em 1760, ao falar sobre o balé e as rígidas regras da dança da época, afirmava: “Será preciso transgredi-las e delas se afastar constantemente, opondo-se sempre que deixarem de seguir exatamente os movimentos da alma, que não se limitam necessariamente a um número determinado de gestos”. Num mundo de tantas conquistas e descobertas sobre nós, seres humanos, seria no mínimo redutor ficar tratando a dança como apenas uma repetição mecânica de passos bem executados. Fazer tais passos, na música, ursos, cavalos e poodles também fazem. Creio que o ser humano pode ir mais longe que isso. Talvez este seja o incômodo proposto por esta tal de dança contemporânea. O de que podemos ser mais e muitos.

Airton Tomazzoni é jornalista, coreógrafo, professor do curso de Graduação em Dança da Fundarte/UERGS, diretor do Centro Municipal de Dança de Porto Alegre, coordenador do Seminário Nacional de Dança e Educação. Diretor da Bailimbembom Cia de Danças e Afins. Local: Rio Grande do Sul, Brasil.

REFLEXÃO - DISCURSO E JOGO

2008-12-21T15:00:00.007-02:00

Acredito que a dança tem um potencial elevado de conduzir a um discurso. Discurso este que pode estar conectado diretamente a interesses do artista que cria ou a interesses de sistemas. De uma forma ou de outra, suponho que as subvenções a trabalhos artísticos em dança podem estar relacionados a idéias que os sistemas buscam promover através das criações artísticas – e, sendo assim, o artista pode estar consoante com esses interesses ou estar sendo usado, sem ter a devida consciência do potencial discursivo de seu trabalho. Proponho que a dança, nesse caso, pode servir de instrumento para um discurso dos sistemas.
Mesmo com a abstração intrínseca de suas configurações, ou seja, com a alta gama de leituras que podem ser feitas em torno de uma obra artística em dança, essas interpretações podem ser direcionadas ou focalizadas para intenções políticas, por exemplo. Na verdade, creio que o artista não está isento de uma prática política em seu trabalho.
Responsabilidade do artista, a sua obra apresenta um discurso inerente que está de acordo com sua visão de mundo, crenças e valores. O artista detém o poder de explicitar e lançar suas idéias e promovê-las, reverberá-las através do olhar do observador.
Nesse sentido, proponho que no exercício de assistir configurações em dança, o observador cumpra um papel ativo, e não apenas de observador passivo, distante de uma visão crítica e de suas idéias a respeito do que vê. Proposta que não é inovadora. Entretanto, é importante relembrar nos dias atuais da necessidade de uma leitura crítica diante do mundo e que a dança não está livre de discursos que estão relacionados ou conectados a interesses que devem ser percebidos ou descobertos. Assim, o observador atento torna-se também uma importante peça na “liturgia” da dança: não é apenas o artista que celebra e promove o seu discurso em cena, mas a platéia cumpre o papel de fazer suas próprias conexões e, assim, cabe a ela também fazer parte dessa celebração.

Citando Adorno, Zygmunt Bauman (2001), sociólogo polonês e grande pensador da atualidade, escreve:

“A história das antigas religiões e escolas, como a dos partidos e revoluções modernas, nos ensina que o preço da sobrevivência é o envolvimento prático, a transformação das idéias em dominação” (ADORNO apud BAUMAN, 2001, p.53).

Em outro momento, Bauman também cita Adorno, que diz:

“Nenhum pensamento é imune à comunicação, e fazê-la no lugar errado e num acordo equivocado é o suficiente para solapar a sua verdade [...] Pois o isolamento intelectual inviolável é agora a única maneira de mostrar algum grau de solidariedade. [...] O observador distante está tão envolvido quanto o participante ativo; a única vantagem do primeiro é a visão desse envolvimento e a liberdade infinitesimal que reside no conhecimento enquanto tal” (ADORNO apud BAUMAN, 2001, p.52).

Concordando com Adorno (apud Bauman, 2001), na pós-modernidade, estamos mais envolvidos do que podemos crer – como observador ou como participante ativo - na construção de um mundo onde as implicações de nossos atos ressonam e, sistemicamente, podem gerar resultados não previsíveis e de proporções incalculáveis.
Cabe a nós, artistas ou observadores, estarmos cientes do papel que cumprimos e que idéias estão sendo estendidas, expandidas, replicadas. Assim, evitamos que sejamos peças em um jogo que não temos o poder de jogar. Sejamos os piões, as damas, as torres e os reis – e lancemos nossas idéias – nós mesmos.

REFERÊNCIA:

BAUMAN, Z. Modernidade líquida. Rio de Janeiro: Jorge Zahar, 2001.

QUAL E COMO? SOBRE O ENSINO DE TÉCNICAS DE DANÇA NO CURSO DE GRADUAÇÃO EM ED.FÍSICA DA UFPB

2008-12-11T17:50:00.012-02:00

O professor de Educação Física formado no curso de licenciatura está habilitado a lecionar a disciplina dança como conteúdo na Educação Física escolar. De acordo com o currículo vigente na Universidade Federal da Paraíba - UFPB, a disciplina Metodologia do Ensino da Dança oferecida no curso de graduação em Educação Física tem carga horária de 60 horas e apresenta na ementa as unidades História da Dança, Técnicas de Dança Clássica e Moderna, Prática de Composição e Dança Contemporânea e Pedagogia da Dança. De acordo com essa ementa, subtende-se que o aluno graduado está apto a desenvolver qualquer atividade de dança com seus alunos, inclusive com a utilização de técnicas de danças das ditas teatrais ou espetaculares.
Na prática, um professor de dança é aquele que tem uma boa formação na prática de técnica(s), entende e orienta no treinamento das mesmas, interferindo pedagogicamente no sentido de informar o aluno na forma adequada da realização do movimento, para evitar lesões e no sentido de um determinado vocabulário técnico-estético pré-estabelecido ou desenvolvido.
A formação de um bailarino nas técnicas de dança clássica ou moderna não pode ser inferior a seis meses ininterruptos de treinamento (o que não significa dizer que seis meses é o tempo ideal – apenas refere-se ao tempo que o aluno de Educação Física tem contato com essa disciplina na sua graduação, sem mencionar o tempo que tem contato com disciplinas afins, como Ginástica Rítmica e Manifestações Populares).

Em cursos técnicos, como a exemplo da Escola de Danças do Teatro Bolshoi no Brasil[1], em Joinville (SC), a formação de um (a) bailarino (a) pode durar até oito anos, em um currículo voltado para a técnica de dança clássica. Sua conclusão junto ao nível médio capacita o profissional de nível técnico na área de artes, com habilitação em “dança - Artista de Balé”.
O treinamento da dança através de uma técnica específica fornece condições para o estudante conscientizar-se do seu corpo e das infindas possibilidades que ele produz esteticamente através de sua expressão motora. Quanto mais informações motoras o corpo absorve ou detém, mais “vocabulário” ou, em outras palavras, mais possibilidades de expressão ele é capaz de gerar ao desconstruir essas técnicas. Por esta razão, o corpo treinado adequadamente nas técnicas de dança através de um ensino consciente, pode proporcionar ao corpo que dança um domínio motor de natureza rica, incontável. De maneira oposta, o mau treinamento em qualquer técnica é capaz de produzir lesões (MARKONDES, 1998 apud GREGO, 2002) e prejudicar na motivação intrínseca para a realização da atividade (TRESCA; DE ROSE JR., 2000).
Além da prática, o bailarino deve conhecer, mesmo que apenas em noções básicas, música, história da dança e anatomia. Para um professor, essas informações, além de aprofundadas, devem ser somadas à pedagogia e metodologia do ensino e didática.
Sendo assim, a formação de um professor de dança que aplique alguma técnica de dança - como a clássica - não deve ser inferior a esse tempo, o que não é certo dizer ou pensar que o graduado em uma licenciatura em Educação Física tem autonomia e conhecimento prático e teórico suficiente para lecioná-las sem nunca as ter vivenciado anteriormente. Mesmo sendo habilitado a lecionar dança na escola, é importante se delimitar que dança é essa, e que prática de dança o professor de Educação Física, assim como o licenciado em Artes e/ou Dança pode e/ou deve ensinar no âmbito escolar.
Com um tempo limitado e um conteúdo condensado para a absorção de informações motoras essenciais para o conhecimento básico das técnicas de dança clássica e moderna, ou mesmo para introdução de algum conteúdo como o de contato-improvisação, técnica muito utilizada em trabalhos de dança contemporânea na atualidade, o graduando em Educação Física não consegue conhecer com apuro nenhum dos vocabulários ou repertórios motores que fazem parte da extensa gama das técnicas de dança.
Mesmo a nível introdutório, o conhecimento de algumas estruturas básicas como passos de ligação, grandes e pequenas poses que fazem parte do repertório da técnica de dança clássica, ou movimentos como uma contração profunda (“deep contraction”), típico do sistema técnico-estético desenvolvido por Martha Graham, ou giros, movimentos comuns a variadas técnicas, ou até uma forma eficiente de “cair” e usar o chão para dançar sem se machucar, não conseguem ser bem treinados e executados no decorrer de cinco meses letivos, na freqüência de quatro créditos semanais em um programa que reúne aulas teóricas de história da dança e pedagogia da dança, além do conteúdo prático-teórico (indissociáveis) de composição coreográfica.
Nessa perspectiva, qual o sentido obrigatório do cumprimento de aulas de algumas dessas técnicas se o conteúdo pode ser descartado pelos futuros professores pela falta de consistência ou pela efemeridade desse aprendizado?

Em virtude do pouco tempo, o melhor que pode ser alcançado pelo professor de Metodologia do Ensino da Dança é despertar a curiosidade do aluno acerca da existência dessas e de outras tantas técnicas de dança e a riqueza do material histórico que elas trazem em seu vocabulário motor. Além disso, uma outra opção é mostrar de que forma elas influenciam na dança da atualidade, levando-o a buscar mais informações sobre a prática e a teoria da dança (indissociáveis) em variadas fontes, na melhor das hipóteses.
No caso da situação corrente da capital paraibana, a dança enfrenta um estado de carência total de profissionais da área com formação sólida. Não existem na cidade cursos técnicos nem superiores de formação, o que nos faz pensar: como refletir sobre um ensino de dança adequado para o currículo escolar na cidade de João Pessoa se não existe um profissional de dança devidamente preparado para atuar na escola?

Aqui, um parêntese e um paradoxo: os cursos livres[2] crescem em quantidade. Quem são esses professores? Que procedimentos pedagógicos e metodológicos utilizam em suas aulas? Suas aulas favorecem o bom desenvolvimento psicomotor e social do aluno? E, como pergunta crucial: qual a formação desse professor? Essa questão é fundamental, pois a formação do professor influi diretamente na percepção que ele tem de dança e na forma que aplica os conteúdo.
Não é objetivo dessa reflexão discutir a natureza, validade e função dos cursos livres, entretanto, ficam esses questionamentos, uma vez que há o livre exercício desses “profissionais” nessa cidade sem a devida fiscalização de um órgão competente – que também não existe: há um vácuo de regulação para essa atividade - portanto, acesso livre para qualquer indivíduo que se intitule professor de dança, coreógrafo ou bailarino exercer essas atividades.

A dança na escola

Dançando é possível Educar e Educar-se, utilizando os recursos do movimento e da música. A Dança é, portanto, elemento fundamental para Formar e Informar o indivíduo, pois desperta nele a possibilidade de crescer em interação Consigo Mesmo, com o Outro e com o Meio (SAMPAIO, 2005).

Muitos autores discorreram sobre a importância da dança na escola e seu papel (EHRENBERG, 2003; GASPARI, 2002; GARIBA, 2005; LUCAREVSKI; SANTOS; SILVA, 2005; MARQUES, 2003; MARQUES, 2001; SBORQUIA, 2002; STRAZZACAPPA, 2001) que possibilita "compreender, desvelar, problematizar e transformar as relações que se estabelecem entre etnias, gêneros, idades, classes sociais e religiões" (MARQUES, 2003). Em João Pessoa, podemos entender os cursos livres de dança oferecidos como um passo de preparação para a entrada da dança no currículo escolar.

Dissociada do teatro, a dança aparece nos PCN´s desde o ano de 1997 como linguagem específica de Arte (MARQUES, 2003).
A dança na escola pode ser entendida como parte integrante do programa de educação física escolar, ser lecionada como parte do programa de artes ou, até mesmo, como forma independente de qualquer conteúdo programático de outra disciplina. Dança na escola como dança na escola. Tão importante quanto matemática, português, educação física ou ciências.

O corpo é o veículo através do qual o indivíduo se expressa, mesmo assim, o movimento corporal humano acaba ficando dentro da escola, restrito a momentos precisos como as aulas de educação física e o horário do recreio (STRAZZACAPPA, 2001, p.69).

A dança na escola é forma de conhecimento, elemento essencial para a educação do ser social. De acordo com Marques (2003. p. 25) “é por meio dos corpos, dançando, que os sentimentos cognitivos se integram aos processos mentais e que se pode compreender o mundo de forma diferenciada, ou seja, artística e estética”. Marques (2003, p. 25) ainda defende que os alunos não mais apreendem o mundo somente por meio das palavras, mas, principalmente, por meio das imagens e dos movimentos. Segundo Strazzacappa (2001, p. 73), independente da linha ou estilo escolhido pelo professor para desenvolver a dança dentro da escola, o importante é que através dela se podem trabalhar os elementos que se consideram importantes para o desenvolvimento integral do indivíduo na escola. Gehres reflete sobre a inserção da dança na escola, dizendo que:

A dança deve estar no ensino fundamental e médio de forma múltipla, sob a forma curricular e/ou não curricular, desenvolvida por profissionais de Educação Física e/ou do Ensino da Arte, com e sem especialização em dança, ou ainda por profissionais com preparação acadêmica específica em dança, pois a dança está presente nas comunidades escolares, como diversão, possibilidade de profissionalização, transcendência, atividade física, técnica corporal e outros. Tornar o acesso sistemático a ela um direito dos escolares, significa ampliar conseqüentemente a vivência dos seus significados no sentido de se apropriar desses como atores/atrizes sociais: cidadãos (GEHRES, 2004, p.2).

A dança no âmbito escolar não deve ter a função de formar bailarinos. Como prática, deve proporcionar a experiência subjetiva e respeitar o contexto sócio-cultural dos alunos, assim como privilegiar seu desenvolvimento psicomotor e cognitivo. Elementos de composição coreográfica e improvisação, assim como história da dança para relacionar os conteúdos e contextualizá-los, são indicados como conteúdo ideal para o âmbito escolar (MARQUES, 2003), pois estimulam o potencial criador da criança e suas experiências motoras subjetivas, que são automaticamente a expressão de como percebe e apreende o mundo através de imagens e movimento. Nesse enfoque, um olhar sobre o sistema Laban acorre como importante ferramenta para uso do professor como teoria do movimento para o exercício de composição.
Porpino (2001, p. 4) considera que, numa estratégia pedagógica direcionada para a dança, não se cabe negar as manifestações veiculadas pela mídia. Contudo, faz-se necessário introduzir nas aulas outras formas dançantes, para que seja possível a criação de novos sentidos no dançar.
Parte-se aqui então do pressuposto de que a dança na escola não se propõe a formar bailarinos e que tem um papel social indiscutível e uma aplicação de grande utilidade na formação de aspectos psicomotores da criança dentro do âmbito escolar. Do mesmo ponto, entende-se que o professor licenciado em Artes, Educação Física e Dança pode atuar na escola, e, em igual nível, pode ministrar dança no conteúdo de suas aulas. Atendo-se no que se refere à preparação do professor de Educação Física para incluir conteúdos de dança nos seus conteúdos programáticos, e, tendo em vista a situação de carência de profissionais de dança na cidade e o curto período de contato de graduandos em Educação Física com a disciplina Metodologia do Ensino da Dança na sua formação universitária, discutir-se-á a importância do ensino de técnicas de treinamento em dança na licenciatura em Educação Física da Universidade Federal da Paraíba.

As técnicas de dança para graduandos em Educação Física (licenciatura)

Sampaio (2005, p. 3) diz que o objeto de pesquisa da Educação Física é o movimento humano. Em se tratando de Educação Física, o desenvolvimento de três níveis de conhecimento é resgatado: o sócio-afetivo, o cognitivo e o motor. O conhecimento sócio-afetivo visa a desenvolver o indivíduo como pessoa, estimulando a formação de uma personalidade estável e equilibrada; o conhecimento cognitivo está ligado ao desenvolvimento intelectual e à operação dos processos reflexivos, e o conhecimento motor trata diretamente do movimento e do seu desenvolvimento.
De acordo com Sampaio (2005, p. 3), tomando como reflexão essas fases de desenvolvimento humano e esses níveis de conhecimento, pode-se entender que o homem, para ser completo, precisa ser visto como um ser físico-cognitivo-emocional. O autor ainda discorre citando que os campos desenvolvem-se simultaneamente, com ou sem a intervenção de um facilitador, mas que se uma dessas partes não for estimulada convenientemente, o indivíduo se desequilibra, refletindo essa deficiência nas outras duas partes.

Concordando com Sampaio (2005, p. 3), sendo o movimento humano o objeto de pesquisa da Educação Física, a dança, dessa forma, perpassa pelos seus estudos. Caracterizada por sua inserção espaço-temporal, circunscrevendo em ambos a sua existência, a dança é materialmente percebida pelo movimento do corpo. Para diferenciar os domínios, entende-se dança como Arte. Para a Educação Física, a dança pode ser tida como ferramenta para uso interdisciplinar nos esportes que são acompanhados de música e ritmo na relação espaço-temporal que é também estabelecida na dança, como a ginástica rítmica, o nado sincronizado, ginástica aeróbica e a patinação.

Nos esportes, a técnica é usada como um fim, ou seja, a precisão da execução através do domínio do uso da técnica é o objetivo final, para que se vença uma competição.
Na dança, a técnica é apenas um meio para se atingir um fim: a comunicabilidade - expressão - ou/e o questionamento, objetivo próprio de toda Arte. É importante o domínio da técnica pelo bailarino, mas ela não desempenha sua função apenas no seu uso: a expressividade é quem se sobrepõe à técnica para determinar o uso adequado dela para cada obra específica. Do contrário, a dança se torna uma reunião de movimentos sem sentido, com ou sem um acompanhamento musical - o que ainda não a destitui de ser dança, mas, questiona-se seu sentido como Arte.

O educador físico que opta pela arte da dança como um conteúdo da educação física escolar deve estar atento e consciente do poder que tem nas mãos e de como usá-lo, discutindo na prática as questões de gênero, corpo e etnias, num exercício plural da dança como formação do aluno/sujeito social, que interage com harmonia e participa das atividades modificando a realidade mesmo que a nível comunitário, plantando sementes de cidadania em um exercício de acesso à verdadeira função da Arte: transformação.

É preocupante a dança na escola que é apenas reprodução de modelos da mídia ou repetição de métodos de técnicas ortodoxas de danças sem o mínimo de discernimento nem planejamento no sentido de contextualizar algumas práticas comuns como a dança clássica, o jazz-dance, a dança de rua, entre outros estilos normalmente presentes nas academias da cidade e cursos livres para atender a demanda provocada por sua procura. Como disciplina de formação ou mesmo fazendo parte de conteúdos da educação física escolar, a dança deve ser um exercício prático para despertar uma visão crítica do mundo.

A escola tem a função de sociabilizar o conhecimento; cabe a ela a análise das informações que circulam na sociedade e a sua sistematização junto aos alunos, para que eles possam compreender a realidade na qual estão inseridos (SBORQUIA, 2002, p. 58).

Utilizando os repertórios dos alunos, ou seja, danças que eles gostam e podem levar para as aulas, ou até gerando material coreográfico através de jogos com uso de música mecânica ou instrumentos musicais, ou mesmo com canções sugeridas pelos alunos, os jogos desenvolvidos nas aulas podem se tornar um campo fértil para pesquisa de movimentos que podem ser aproveitados como novos repertórios coreográficos. O professor como um coreógrafo, semelhante ao “DJ” (KATZ, 1998), pode utilizar-se das informações motoras que surgem para basear uma nova coreografia. Arranjando, selecionando, editando, repetindo, fragmentando movimentos, ou seja, utilizando algumas técnicas de composição, mesmo que oriundas da linguagem da música absorvidas pelo “fazer” da dança, o “DJ-professor” pode produzir trabalhos com material colhido nas aulas, levando em consideração as sugestões dos alunos, trabalhando em conjunto para um exercício constante da troca de experiências, motivando e proporcionando a sociabilidade e auto-afirmação. Essa é uma das infinitas propostas que podem ser trabalhadas.

Na lógica de uma proposta de uso de técnicas de composição, qualidades de movimento/esforços (sistema Laban) e contextualização das práticas através do conhecimento adequado de história da dança, o professor de educação física pode ministrar a dança se tem o devido acesso a esses conteúdos de forma aprofundada no seu curso de graduação, sem deixar de lado a importância de (re)conhecer diferentes estilos e técnicas, sem, contudo, a necessidade estar treinado nelas porque na sua atuação profissional não irá aplicá-las. Entretanto, faz-se mister entender e vivenciar alguns fundamentos básicos do método e da metodologia que se pretende aplicar.
Conhecido a nível mundial por seu sistema de notação e análise de movimento (“Labanotation” e “LMA - Laban Movement Analysys”), o alemão Rudolf Laban demonstra em “Dança Educativa Moderna” (1990), temas de movimento básicos para serem utilizados pelo professor, sem privilegiar nenhum sistema de dança confinado no domínio de movimentos tidos como obrigatórios ou algum treinamento corporal ortodoxo para a execução da dança, sejam eles para as danças ditas teatrais (ballet, dança contemporânea, jazz-dance, dança moderna, etc.) ou folclóricas. Laban (1990) propõe a descoberta da dança, do movimento dos corpos, contemplando a riqueza das subjetividades, das diferenças, sem parâmetros de beleza exteriores ao grupo cultural, onde a atividade de uma dança verdadeiramente democrática se insere. Dessa forma, a dança pode estar presente nas aulas cumprindo sua função sem nenhum compromisso de treinamento exaustivo aprisionado a técnicas.
Com o advento e a crescente demanda de cursos de licenciatura em dança surgindo no país, espera-se que o licenciado em dança seja o mais indicado para atuar na escola com a liberdade do uso das técnicas de dança de forma consciente, pois estará solidamente mais (in)formado para optar criticamente porque tipo de dança irá educar, respeitando os anseios dos alunos ao mesmo tempo, apresentando-os a uma descoberta do corpo e dos movimentos centrada nas possibilidades e na desconstrução da idéia de que o dançar se encerra no aprendizado de técnicas e de que é privilégio apenas de bailarinos.

Arthur Marques de ALMEIDA NETO. Mestrando em Dança - UFBA.

Referências:

EHRENBERG, M.C. A dança como conhecimento a ser tratado pela educação física escolar: aproximações entre a formação e a atuação profissional. 2003, Faculdade de Educação Física, Unicamp, Campinas, SP.

GARIBA, C.M.S. Dança escolar: uma linguagem possível na educação física. Disponível em http://www.efdeportes.com/efd85/danca.htm - data de acesso: 25/10/2006.

GASPARI, T.C. A dança aplicada às tendências da educação física escolar. Motriz. 2002, v. 8, n. 3, pp. 123-9.

GEHRES, A.F. Dança e educação física: é ou não é!!!. Disponível em www.sbpcnet.org.br/eventos/recife/textos/MC33_DAN%C7A_E_EDUCA%C7%C3O_F%CDSICA.pdf – data de acesso: 27/10/2006.

GREGO, L.G. O ballet das lesões: associações entre agravos músculo-esqueléticos e aptidão física de praticantes de dança e escolares. 2002, Faculdade de Educação Física, Unicamp, Campinas, SP.

KATZ, H. O coreógrafo como DJ in: PEREIRA, Roberto; SOTER, Silvia (ORG). Lições de Dança. Rio de Janeiro: Univercidade, RJ, 1998.

LABAN, R. Dança Educativa Moderna. São Paulo: Ícone, 1990.

MARQUES, I.A. Ensino de dança hoje: textos e contextos. 2ª. ed. São Paulo: Cortez, 2001.

PEREIRA, M.L.; HUNGER, D.A.C. F. Dança e Educação Física no Brasil:questões polêmicas. Disponível em http://www.efdeportes.com/efd96/danca.htm - data de acesso: 25/10/2006.

PORPINO, K.O. Narrativas do corpo que dança: o contexto do ensino profissional. Disponível em http://www.anped.org.br/24/P1645363438928.doc - data de acesso: 27/10/2006.

SANTOS, J.T.; LUCAREVSKI, J.; SILVA, R.M. Dança na escola: benefícios e contribuições na fase pré-escolar. Disponível em http://www.psicologia.com.pt/artigos/ver_artigo_licenciatura.php?codigo=TL0046&area=d6 – data de acesso: 27/10/2006.

SBORQUIA, S.P. A dança no contexto da educação física: os (des) encontros entre a formação e a atuação profissional. 2002, Faculdade de Educação Física, Unicamp, Campinas, SP.

STRAZZACAPPA, M.. The education and the body's factory: dance in school. Cad. CEDES., Campinas, v. 21, n. 53, 2001. Disponible en: . Acceso el: 26 Oct 2006. doi: 10.1590/S0101-32622001000100005.

SAMPAIO, M.I. A dança na Educação Física escolar. Disponível em http://sites.usjt.br/jol/arquivos2005/Colaboradores_2005_12_05_danca_flavia.php?PHPSESSID=c3d5dcd98e738b2 - data de acesso: 27/10/2006.

TRESCA, R.P.; DE ROSE JR. D. Estudo comparativo da motivação intrínseca em escolares praticantes e não praticantes de dança. Revista Brasileira de Ciência e Movimento, 2000, v.8, n.1, pp.9-13, Brasília, DF.

[1] Disponível em http://www.escolabolshoi.com.br/cursos_escola.php. Acessado em 26/10/2006.
[2] A nomenclatura cursos livres aqui adotada se refere aos cursos que são oferecidos na cidade de João Pessoa nas escolas da rede privada de ensino como conteúdo extracurricular, fora do horário das aulas do ensino fundamental e médio, conhecidos também como “escolinhas” e são oferecidos comumente nas modalidades dança, natação, judô, entre outros. Como um “chamariz” ou diferencial para a escola devido a forte concorrência entre elas, as escolas contratam um professor que geralmente subloca uma de suas salas para oferecer seu curso de dança, fora do horário das aulas da grade curricular do Ensino Básico. Muitos desses professores não têm formação superior alguma, nem técnica na área.

PROPOSTA PARA UMA DANÇA DE REFLEXÃO

2008-12-10T20:04:00.002-02:00

The Pioneering (Wonder) Woman: uma heroína da fronteira americana

RESUMO:
Neste trabalho, proponho que Martha Graham, em sua fase de danças nacionalistas denominada “Americana” (1935 – 1944), consegue relacionar suas coreografias, em especial “Appalachian Spring” (1944), com a cultura nacional americana e construir sentidos de identificação através da narrativa de uma nação, conceito apresentado por Stuart Hall (2005). Nesse viés, pretendo mostrar que a dança de Graham consegue (re)contar histórias da nação, (re)afirmando a cultura nacional e transmitindo esse discurso ideológico, como observo no ensaio de Janet Eilber (2000), que comparo a um relato de experiência etnográfica, onde está presente a alegoria ou uma prática de narrativa ficcional. Reflito sobre a responsabilidade do artista em relação aos sentidos incontroláveis ou múltiplos significados que um trabalho de dança pode produzir.

PALAVRAS-CHAVE: dança moderna americana, Martha Graham, identidade nacional.

(Trabalho que será apresentado como comunicação oral e publicado na íntegra, no V Colóquio Internacional de Etnocenologia, em Belo Horizonte, em agosto de 2009).

Sobre esse trabalho, proponho uma reflexão do papel do artista, do coreógrafo e do bailarino, no sentido de perceber que sua obra é sempre passível de leituras diferentes. Uma reflexão para o papel do pesquisador em dança, que deve estar comprometido politicamente, não na busca de uma verdade – mas, consciente de que existem várias verdades - uma reflexão sobre a forte relação entre arte e política sendo esta relação uma possibilidade do trabalho artístico.

Busco chamar atenção à necessária responsabilidade do coreógrafo/ intérprete de dança da atualidade no que concerne ao tipo de dança que produz e às implicações políticas que são sempre inerentes de seu processo, pesquisa ou configuração de dança.

Não quero impor um modo de ver as coisas, um modo de vida. Nem quero julgar as opções de outros artistas. Mas, sou também um artista, e imagino.

Tenho idéias, aspirações e proposições para uma realidade em constante transformação. Acredito que todo artista é uma Maravilha... Mesmo sem um “laço mágico” ou “jato invisível”.

E acredito também que a “Sala de Justiça” é uma ilusão. Mas, certamente, todo artista - e pesquisador – detém “poderes especiais”: o de (re)criar, (re)contar ou (re)inventar histórias. “Verdadeiras” (se é que elas existem) ou não...

[...] se estamos condenados a contar histórias que não podemos controlar, pelo menos não contemos histórias que acreditemos serem as verdadeiras (CLIFFORD, 1998, p. 95-96).

Referência:

CLIFFORD, James. Sobre a alegoria etnográfica. In: ___. A experiência etnográfica. Rio de Janeiro: Editora UFRJ, 1998, cap. 1, 63-99.

EILBER, Janet. Becoming the Pioneering Woman. Souvenir program for 2000 MGDC Tour, 2000. Disponível em:
<http://www.virginiaartsfest.com/downloads/sails/2005/MarthaGraham/mg_pioneeringwoman.pdf>. Acesso em: 01 de maio de 2008.

HALL, Stuart. A identidade cultural na pós-modernidade. 10.ed. Rio de Janeiro: DP&A, 2005.

ENSAIO SOBRE UM CORPO DA MÍDIA: BELEZA E PODER

2008-12-10T19:48:00.001-02:00

Quero trazer a idéia de que as relações de poder permeiam também a preocupação e busca incessante atual pela manutenção da juventude e beleza. Manobras neo-liberalistas não são exclusividade de ações políticas partidárias, mas estão presentes em nosso cotidiano e emaranhadas na mídia e na cultura. Noam Chomski, em "Razões de Estado", fala da manipulação da mídia como manobra dos governos democráticos ou imperialistas. Quero ampliar a discussão para esferas um pouco mais sutis – a esfera da imagem pessoal, da subjetividade: o corpo. A imagem do corpo difundida pela mídia circunscrita no meio capitalista é a de um corpo jovem, sadio e belo. Mas, perguntemos: o que é belo? O que é saudável? Quero dizer que esses conceitos, mais do que possamos responder à primeira instância, são conceitos altamente maquiados por uma relação de estética e poder.
Além de tecer essas considerações, quero complicar as questões, de modo a enriquecê-las, argumentando que a arte contemporânea, em especial no universo da dança contemporânea, é o único meio de fuga desse lugar onde o corpo está aprisionado a uma estética fake, de corpos mutantes promovidos à custa de tratamentos estéticos possantes, de revoluções químicas de medicamentos divinos – anabolizantes ou repositórios hormonais, epopéias ritualísticas travadas incessantemente pelos devotos do corpo ideal em novos templos sagrados como as academias, clínicas de cirurgias plásticas e spas...

A dança contemporânea discute o corpo na pós-modernidade, o corpo ideal para a vida, redefine e reinventa a realidade, numa prece utópica por mudança de configuração de uma realidade atual que busca atrasar os relógios e remodelar a carapaça muscular e dermatológica humana, acarretando também numa mudança de percepção de mundo e do olhar para a subjetividade. Da mesma forma, a dança contemporânea traduz, entre outras facetas, um desejo de desconstruir e desmantelar as estratégias de venda do corpo midiático, prostituído pelo desejo de poder: o poder de ser o que se deseja – seja esse “desejar” uma vontade pessoal – a “tesoura do desejo – desejo mesmo de mudar” - ou um desejo conectado com a sociedade corrompida pelo consumo, pela moda e pelo design, invenções estratégicas de um capitalismo que afeta o corpo, transformando e padronizando uma forma única de estar e captar o mundo: o “traje sagrado” – como escreve Martha Graham - com que entramos na vida e que “vestimos” até o fim dos nossos dias, se assim se pressupõe corpo X mente como instâncias separadas, ou se existe ainda uma fé no espírito.

A tecnologia não faz do corpo objeto obsoleto. O corpo é transformado, evolui. O pós-humano não é ironia de um mundo dominado pelo futuro cibernético: é ilusão de não perceber que a subjetividade coexiste mesmo num corpo “turbinado”, “eficiente”. Não defendo a loucura contemporânea da mudança com fins absolutamente estéticos. Entretanto, acredito que a própria busca do sujeito por uma estética vendida como “ideal” pelos meios midiáticos é também uma estratégia de permanência sistêmica.

Encontrar o parceiro na batalha da night é uma forte razão para muito desses corpos dopados de química ou de próteses. Balançam freneticamente e desfilam ao som do “bate-estaca” das raves todas as coleções de bonecos e bonecas já inventadas (Barbies, Susies, Kens, Falcons... E fazem, com sua beleza estonteante, se esconderem, no fundo do mar, os surreais horrorosos e indesejáveis Bob Esponjas: os caretas, quadrados, fracos e sujeitos a deformidades).

Sexualmente movidos, sentem-se seguros e confiantes em seu poder de sedução e se auto-afirmam exibindo seus músculos esculpidos por horas a fio ou comprados, sem pudores, em pouca roupa – e marcas caras – e com muito suor e desespero por companhia. Quantidade é valor maior que qualidade. Na verdade, eles tornam-se uma versão remixed and revisited da solidão moderna do flaneur de Baudelaire. Corpos não-identificados sob a escuridão da noite. Ou melhor, da boite. E a busca é por iguais, compatíveis.

Peitos siliconados, bocas enxertadas de colágeno, rugas com fios de ouro e expressões congeladas de botox não é mais exclusividade do gênero feminino. Os machos metrossexuais, emos e/ou travestis também compram a beleza disponível nas “feiras”: as prateleiras das farmácias e os tabuleiros de bisturis das mesas cirúrgicas. O “Admirável Mundo Novo” está em cada esquina.

Os salões de cabeleireiros são fábricas de louras (Men prefer blondes?) e cabelos enchapados, com corpos rígidos para não desfazer o truque cosmético do fio liso. Para a mídia, não adianta apenas usar creme dental: preciso ter um corpo escultural para portar um sorriso branco e saudável. Não adianta só tomar cerveja: tenho que ter uma namorada loura e gostosa para acompanhar. Pouco importa se ela é tão gelada quanto a cerveja...

Enquanto isso, na madrugada, alguém é espancado até a morte. Os gays imitam os héteros ou vice-versa? Como identificá-los? Hoje, todos são pitbulls tatuados que saem aos bandos sem suas guias, mas exibem - orgulhosos - suas coleiras estranguladoras. Quanto maior for sua corrente, maior sua virilidade e seu poder. Não importa com quem estou em quatro paredes. Ou se estou de quatro.

A arte da dança contemporânea não privilegia determinada estética ou forma. Privilegia a reflexão e questionamento sobre seus conteúdos. Sobre o corpo, não determina quem pode ou deve dançar, apenas aprofunda o olhar para o que o corpo provoca. Qualquer corpo: o da moda, da mídia, o “top”, o popular, o comum.

Sejam bem vindos à dança da democracia do corpo: sereias - podem vir sem pernas; Netunos - tragam seus tridentes; pérolas negras - saiam das ostras. Bob Esponjas. Emergem todos: deficientes, pobres ou diferentes. O belo, na dança contemporânea, é o corpo individual, único. O que está inteiro de seu potencial. O corpo que se assume, e que destrói, assim, qualquer tentativa de manipulação, de qualquer natureza.

[...] a ginástica. os exercícios, o desenvolvimento muscular, a nudez, a exaltação do corpo... tudo isso conduz ao desejo de seu próprio corpo através de um trabalho insistente, obstinado, meticuloso, que o poder exerceu sobre o corpo das crianças, dos soldados, sobre o corpo sadio. Mas, a partir do momento em que o poder produziu este efeito, como consequência direta de suas conquistas, emerge inevitavelmente a reinvidicação de seu próprio corpo contra o poder, a saúde contra a economia, o prazer contra as normas morais da sexualidade, do casamento, do pudor. (Michel Foucault, em "Microfísica do Poder").

Arthur Marques de ALMEIDA NETO

Mestrando em Dança - UFBA

FENART 2008 - 18 A 26 DE ABRIL DE 2008

2008-12-10T18:48:00.003-02:00

Fundação Espaço Cultural da Paraíba. Rua Abdias Gomes de Almeida, 800, Tambauzinho, CEP 58042-900 - João Pessoa, Paraíba - Brasil.

Arnaldo Antunes e Orquestra Sinfônica da Paraíba na abertura do XII Fenart

Concerto de abertura do XII Fenart leva mais de cinco mil pessoas ao Espaço Cultural na noite desta sexta-feira (18).
Às dez da noite desta sexta-feira (18), em ponto, a Orquestra Sinfônica da Paraíba dava início ao concerto de abertura do XII Festival Nacional de Arte, o Fenart. No palco, o maestro Luiz Carlos Durier conduzia com excelência 80 músicos na execução do famoso “Bolero”, de Ravel, lindamente ilustrado com a performance do bailarino Arthur Marques e projeções digitais em amarelo e vermelho ao fundo.

Bailarino Arthur Marques faz performance

na abertura do concerto ao som do 'Bolero', de Ravel.

Extraído de <http://www.fenart.pb.gov.br/arnaldo-ospb.html> em 13 de dezembro de 2008.

Interação entre dança e outras linguagens pontuou seminário com coreógrafos

Uma grande discussão acerca da relação da Dança com as outras linguagens artísticas marcou o seminário ‘Que Dança É Essa?’, realizado na tarde dessa quinta-feira (24) no Auditório Verde do Espaço Cultural. Coordenado pelo coreógrafo e bailarino paraibano Arthur Marques, o evento reuniu três grandes expoentes da dança clássica e contemporânea nacional: Alejandro Ahmed, coreógrafo e diretor do Cena 11 (SC); Carlos Laerte, fundador da Laso Cia de Dança (RJ) e Leandro Ramos, diretor do Ballet de Londrina (PR).
“Afunilamos esse universo para discutir as circunstâncias em que o espetáculo pode ser classificado dentro da dança contemporânea ou quando vai além, porque há muitas montagens que se utilizam de interfaces conectadas a outras linguagens artísticas e até à tecnologia”, explica o coordenador da mesa. “Por isso fica difícil definir um campo onde o espetáculo pode atuar única e exclusivamente”.

Mesa reuniu os experientes Alejandro Ahmed (SC), Carlos Laerte (RJ) e o paraibano Arthur Marques.

Os debatedores convidados pela programação de seminários Cena Contemporânea foram escolhidos minuciosamente pelo trabalho diferenciado que cada um desenvolve. “Alejandro Ahmed, por exemplo, utiliza tecnologia, cibernética, robótica e energia elétrica; Carlos Laerte também tem formação em Cinema, o que influencia muito seu trabalho e Leandro Ramos aproveita a sua formação técnica em ballet clássico na elaboração dos seus espetáculos”, considera Arthur Marques, avaliando como “fundamental a contribuição das vivências expostas por cada um desses artistas”.

Extraído de <http://www.fenart.pb.gov.br/danca-mesa.html>, em 13 de dezembro de 2008.